Los hombres que miraban fijamente a las cabras

FICHA TÉCNICA

Título: Los hombres que miraban fijamente a las cabras
Título original: The men who stare at goats
Dirección: Grant Heslov
País: Reino Unido, Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 05/03/2010
Duración: 93 min.
Género: Comedia, Bélico
Calificación: No recomendada para menores de 13 años
Reparto: George Clooney, Ewan McGregor, Jeff Bridges, Kevin Spacey, Stephen Lang, Robert Patrick, Waleed Zuaiter, Stephen Root, Glenn Morshower, Nick Offerman
Guión: Peter Straughan
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: BBC Films, Smoke House, Westgate Film Services, Winchester Capital Partners

SINOPSIS

Un reportero se mete un conflicto bélico con el objetivo principal de olvidar su fallido matrimonio. Sus expectativas se ven superadas al encontrarse con un agente especial de las fuerzas armadas estadounidenses que le revela la existencia de un programa psíquico militar que terminará con el concepto de guerra tal como lo conocemos actualmente. ¿Qué hay de verdad y qué de mentira en su revelación?

CRÍTICA

Con semejante título habrá más de uno que pensará que estamos ante una chorrada de película totalmente prescindible (de hecho con semejante nomenclatura yo era el primero que probablemente la hubiese rechazado) pero resulta llamativo el reparto que la conforma (aparte del cuarteto que se ve en el poster circulan por el metraje otros actores como Robert Patrick y Stephen Lang, los malos respectivos de dos famosos films de James Cameron: Terminator 2 y Avatar) y su sinopsis argumental es cuando menos curiosa. O sea que probé... y no sé que decir.

En mis antecedentes tengo el film Tres Reyes, sátira bélica también protagonizada por Clooney hace ya una década, pero la presente Los hombres que miraban fijamente a las cabras sin duda alguna la supera en cuanto a humor absurdo y situaciones disparatadas. El problema está en que ese absurdo empieza bien pero progresivamente se va tornando más estrambótico y surrealista, hasta que al final te queda la misma cara que cuando te cuentan un chiste que despierta las carcajadas a todos pero que a ti te deja indiferente. Es una lástima porque la idea con la que partía el film es curiosa, y los actores que lo protagonizan son llamativos; pero lo primero parece quedarse sólo en eso, en el planteamiento, mientras que lo segundo depende de como lo valore cada uno porque pese a ser interpretes conocidos sus personajes deambulan por pantalla sin un objetivo claro.

Según he leido por algunos sitios el film intenta seguir el estilo de las comedias de los Hermanos Coen, aunque sin conseguirlo. En mi caso, y sin entrar en odiosas comparaciones, tengo que reconocer que la película me enganchó en su inicio pero poco a poco se me fue desinflando hasta llegar a una conclusión (que parece ocurrir sin razón aparente, en plan "vamos a acabar esto") que es lo que me lleva a no aprobar el resultado final (que, pese a todo, apenas dura poco más de 90 minutos) Pero pese a ello no la puedo tildar de mala película, ya que los actores saben desprender ese aire de cachondeo con el que probablemente rodaron el film (lo cual ayuda, en parte, a hacer soportable el resultado final) y el planteamiento se sale de la línea actual donde lo que mandan son las fórmulas cinematográficas ya conocidas y explotadas antaño.

El ritmo irregular del conjunto tampoco ayuda a enganchar al espectador, que poco a poco va soltando amarras del hilo argumental (que insisto en que había comenzado bien). Y aunque no le negaré momentos divertidos, los mismos se producen en situaciones que perfectamente podrian ser trasladables a una película típica de Jim Carrey o Vince Vaughn, pero no una como esta que parece ser de humor inteligente. Ahi ya todo depende de si el espectador entra o no, pero lo que al final nos queda es ¿una comedia? ¿una sátira bélica? Pues ni lo uno ni lo otro, tan solo una película más del montón sólo salvable por algún que otro momento en particular y por un reparto que te hace pensar en que pensaban ellos para intervenir en un film así. En el grupo de comedias bélicas sin duda alguna la antes citada Tres Reyes o Tropic Thunder consiguen mejores resultados que esta.

LO MEJOR: La idea con la que parte la película, la duración (poco más de 90 minutos) y los muy conocidos actores que integran el reparto.

LO PEOR: La irregularidad del conjunto así como su falta de objetivos (más que satira bélica se queda en curiosidad moderadamente chistosa).

Desde Paris con amor

FICHA TÉCNICA

Título: Desde París con amor
Título original: From Paris with love
Dirección: Pierre Morel
País: Francia
Año: 2010
Fecha de estreno: 19/03/2010
Duración: 87 min.
Género: Criminal, Thriller, Acción
Reparto: John Travolta, Jonathan Rhys Meyers, Amber Rose Revah, Kasia Smutniak, Melissa Mars, Farid Elouardi, Richard Durden, Chems Dahmani
Guión: Adi Hasak
Distribuidora: Aurum
Productora: Canal+, Europa Corp., M6 Films, TPS Star, M6, Grive Productions, Apipoulaï

SINOPSIS

Un joven empleado de la embajada estadounidense en París (Jonathan Rhys Meyers) se entera de que alguien planea un gran atentado en la capital francesa. Junto al agente del FBI Charlie Wax (John Travolta), deberá descubir de quién se trata y detenerlo antes de que sea demasiado tarde y haya víctimas inocentes.

CRÍTICA

Pese a que muchos lo califican de facistoide, a mi siempre me han gustado las películas de venganzas personales. Es por eso que congenio con personajes como el famoso Punisher de los comics Marvel, y es por eso que disfruté con Venganza (Taken), la anterior película del director del presente film (Pierre Morel). Y es que la mano de Luc Besson dotó al conjunto de un estilo más o menos realista, aunque sin salirse de los cánones más genéricos (como por ejemplo si ha hecho la saga Transporter en sus progresivas entregas, también obra del mismo productor).

Iluso de mi; Desde Paris con amor justifica totalmente su fracaso de taquilla en Estados Unidos (que no me extrañaría que se anticipara al del resto del mundo) ya que lejos del estilo imprimido en su anterior trabajo, aqui Morel sigue a la pareja protagonista, claros exponentes de la buddy-movie más manida (el estilo de ambos personajes no deja de ser el típico contrapunto de esquemas ya vistos desde la época de Arma letal), en una sucesión de escenas de acción sin justificación, que más o menos se dejan ver si uno no tiene muchas pretensiones, pero que resultan tan exageradas como poco creibles.

Pese a ello no habría problema porque el género de acción en ocasiones ha bordeado los límites de la coherencia ofreciendo, pese a todo, grandes obras de entretenimiento (y ahi me remitiría yo a un clásico del género como La Roca de Michael Bay... cuando Bay aún dirigía personas y no robots) pero aqui el conjunto no se sustenta por ninguna parte. Si ya en un principio la pareja protagonista resulta insulsa (un impertérrito Jonathan Rhys Meyers se ve claramente superado por un sobreactuado John Travolta) el disparate argumental en el que se convierte el film en su tramo final (especialmente en lo referente a la novia del personaje de Rhys Meyers) resulta tan absurdo, ilógico, incoherente y demencial que uno no puede menos que pensar que al lado de esto incluso la última entrega de Transporter consigue tener cierta lógica.

E insisto en que mi opinión es desde el punto de vista de unas pretensiones mínimas ante una película que ya de entrada muestra sus cartas en el título, clara parodía del famoso Desde Rusia con amor de la saga de James Bond. Pero una cosa es esperar poco y otra no obtener nada, ya que desde unas escenas de acción que parecen retales de las vistas en la saga Bourne o en la citada de Transporter, pasando por unos protagonistas con nula química entre si (y menos carisma de cara al espectador) y un argumento no sólo arquetípico sino que encima claramente demencial, parece mentira que esto venga firmado por los mismos responsables de la antes citada Venganza (Taken), donde al menos las aventuras justicieras de un impasible Liam Neeson resultaban más entretenidas que los bochornosos diálogos entre un sobreactuado Travolta y un Rhys Meyers que parece estar preguntándose en todo momento en que disparate se ha metido.

LO MEJOR: La esperanza de que sea otro tipo de producto.

LO PEOR: Ver finalmente lo que es.

The secret of kells

FICHA TÉCNICA

Título: The secret of Kells
Título original: The secret of Kells
Dirección: Nora Twomey, Tomm Moore
País: Francia, Bélgica, Irlanda
Año: 2009
Fecha de estreno: sin determinar
Duración: 75 min.
Género: Animación, Aventuras
Calificación: Apta para todos los públicos
Reparto: Brendan Gleeson, Liam Hourican, Mick Lally, Michael McGrath, Evan McGuire, Christen Mooney, Paul Tylack, Paul Young
Guión: Fabrice Ziolkowski
Distribuidora: No disponible
Productora: Les Armateurs, Vivi Film, France 2 Cinéma, Cartoon Saloon

SINOPSIS

Con apenas 12 años, Brendan ya ejerce de monje en una abadía de Irlanda, a mediados del siglo IX. Su principal misión es construir una fortaleza que proteja a sus compañeros de los ataques de los vikingos. Pero cuando descubre que el monje Aidan (Mick Lally) está ilustrando el libro de Kells, sus intereses darán un giro de 180 grados. Brendan recibe el encargo de terminar el libro y, para ello, deberá adentrarse en un bosque mágico a la vez que peligroso.

CRÍTICA

Dentro de un cine de animación que parece dominado por Disney y Pixar (en cuanto a estilos o géneros se refiere), siempre resulta agradable encontrarse sorpresas como el presente título, que además ha dado la sorpresa siendo nominada al Oscar a mejor film de animación de este año (categoria en donde tendrá que verse las caras con Fantastic Mr.Fox, Tiana y el Sapo, Coraline y Up)

En este caso no se trata de una animación en 3D (ahora que parecen estar tan de moda y ser tan rentables en taquilla) pero asimismo es una animación 2D muy particular, lejos del estilo más o menos realista a los que nos tiene acostumbrados (por ejemplo) la factoria Disney (como en la reciente Tiana y el sapo), ya que la ambientación mediaval del relato influye para un estilo visual que parece querer hacernos recordar los retablos y obras artísticas propias de aquella época (es decir, con trazos minimalistas). Ese estilo fuera de los cánones habituales logra entrar muy bien por los ojos (al igual que pasa en los films en stop-motion), a lo que se suma una historia muy céltica. muy folcklorica y muy irlandesa, pero cuyo mensaje podría ser equivalente al del Avatar de James Cameron, y es que aqui también tenemos un cierto tono de defensa medioambiental, frente a la destrucción y despotismo del hombre moderno (aqui representado en unos vikingos que arrasan todo lo que encuentran por su paso)

Pese a ello, y unido además a una muy ajustada duración de apenas 75 minutos, sabe mal (una vez vista la película) que esta no resulte ser mejor de lo que es, hecho debido probablemente a la poca aventura que transpira la historia. Cuidado, que con esto no quiere decir que no haya acción (ver por ejemplo lo magníficamente que están mostradas las escenas bélicas, en contraposición con, por ejemplo, las escenas más bucólicas) pero el relato parece no acabar de levantar el vuelo y de emocionarnos a traves de los personajes y sus vivencias, dando una imagen final en la que se recuerda más el aspecto visual del film que su historia, no tan entrañable como uno esperaria.

Aún así en un mundo donde la animación parece moverse tan sólo por dos o tres estilos mayoritarios (animación tradicional, 3D, anime) y por dos o tres estudios mayoritarios (los antes citados Disney y Pixar, a los que se podría sumar Dreamworks a mucho estirar) resulta sorprendente y recomendable un título como The secret of kells, que se convierte sin problemas en un film apto para toda la familia y con un mensaje universal que pese a que pueda sorprender dentro del marco en que está englobado (el protagonista es un pequeño monje de una abadia) resulta claro y conciso (en el fondo las pruebas que tendrá que sortear el protagonista, ¿no son una clara evolución hacia su madurez?)

LO MEJOR: Su ajustada duración y su estilo visual, que entra muy bien por los ojos.

LO PEOR: Su relativa falta de garra en su conjunto.

Legion

FICHA TÉCNICA

Título: Legión
Título original: Legion
Dirección: Scott Charles Stewart
País: Estados Unidos
Año: 2010
Fecha de estreno: 07/05/2010
Duración: 104 min.
Género: Thriller, Terror, Fantástico
Reparto: Dennis Quaid, Paul Bettany, Kevin Durand, Doug Jones, Kate Walsh, Willa Holland, Adrianne Palicki, Tyrese Gibson, Lucas Black, Charles S. Dutton
Guión: Scott Charles Stewart
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: Bold Films

SINOPSIS

El apocalipsis ha llegado finalmente a la Tierra. No hay posibilidad de escapar a las fuerzas del mal. La última línea de resistencia se encuentra en un restaurante perdido al suroeste de los Estados Unidos. Allí, un grupo de desconocidos lamenta su suerte y espera la muerte con resignación... Hasta que descubren que la camarera del restaurante está embarazada del Mesías.

CRÍTICA

Sería TAN facil despotricar contra una película como esta, de verdad TAN facil. Y es que un argumento donde se dan la mano temas religiosos, fantásticos y de acción... ¿de verdad se puede tomar en serio? Vale que podía darse el caso de que el resultado en pantalla sorprendiera y diera algún tipo de giro que hiciera destacar el producto final... pero no es asi. Legion es uno de los peores títulos del fantástico que he visto en los últimos tiempos, hecho que al principio no es visible (aunque si sospechable); después de todo ha habido y habrá películas apocalípticas de un montón de maneras y estilos (¿acaso no entrarian dentro de ese género films como los de la saga Terminator?) pero la mezcla de elementos cristianos que se da aqui podría ser curiosa... si no fuera porque es tan ridícula.

Y es que no hay nada salvable: por un lado unos actores pésimos (incluido un Dennis Quaid que seguro que ha participado en este film por simples necesidades alimenticias) pasando por un argumento risible (¿la madre del nuevo Mesias una camarera del desierto americano?) que además acumula escenas sin lógica ni coherencia (ver los respectivos ataques contra el bar donde acontece la acción, muchos de los cuales parecen ocurrir porque si) pero sobretodo inscribiéndose en los terrenos de la chorrada más grande cuando se asiste al duelo final entre dos ángeles armados, en un sinsentido absoluto que mezcla sin pudor el estilo que le imprimió James Cameron a la saga Terminator (con unos citados ángeles que parecen variantes de los mencionados robots), incluido en escenas como la de los protagonistas huyendo en un coche y siendo perseguidos por uno de los ángeles, claramente deudora de la que inmiscuia al T-1000 de Terminator 2 y sus objetivos.

Pese a ello hay ciertos detalles que dan pie a la esperanza, como el sangriento ataque de la dulce ancianita (realmene sorprendente) pero son simplemente eso, detalles, ya que el conjunto se nutre de personajes típicos y tópicos que cumplen los estereotipos de una producción de terror cutre (¿alguien piensa que los personajes negros que hay en el relato llegarán al final?). A eso súmesele escenas incoherentes como las del tipo que explota tras ser ¿hervido? en el exterior, los ataques contra los del bar por gente poseida ¡¡¡por ángeles!!! o el bajo presupuesto con el que cuenta la producción, algo visible en detalles tan claros como que se declare de la noche a la mañana el fin del mundo y la única esperanza sea la de unas personas perdidas por el desierto (si este film hubiera tenido mayores ínfulas seguro que la acción hubiese ocurrido en alguna ciudad cosmopolita, como el dinero no daba para muchas virguerias... pues enmedio del desierto).

LO MEJOR: Detalles puntuales como el ataque de la ancianita.

LO PEOR: ¿Por donde empiezo? ¿Por los típicos y tópicos personajes? ¿por el risible argumento donde salen ángeles que parecen terminators exterminadores? ¿o quizás por lo incoherente de todo lo que sucede, que llega a sus más altas cotas de chorrada monumental en su tramo final?

Los Solarianos

Los Solarianos es la primer novela escrita por Norman Spinrad publicada en 1966.

Portada de una de las primeras ediciones a fines de la década de 1960.

Los solarianos, que desde hace un tiempo viven aislados del resto de la galaxia, reaparecen para salvar a la raza humana de unas criaturas que quizá no son más que ingeniosas computadoras, aunque poderosas e implacables: los duglaari. Pero la solución que los solarianos traen a los peligros y amenazas de la guerra no es un arma secreta ni un insólito plan táctico. La victoria que ellos prometen se conseguirá mediante una estrategia simple y terrible: rendición incondicional.

Quise iniciar el post con el texto de la contraportada porque es una sinopsis de la novela medio hollywoodense: sí dice la trama principal de la novela, pero oculta totalmente su verdadera riqueza literaria y dice a gritos las características más burdas y de forma tan alarmista y espectacular que uno se sorprende que la forma en que está escrita la novela no concuerde con su sinopsis amarillista y espectacular.

La novela está situada cientos de años en el futuro, cuando la humanidad ya ha colonizado el sistema solar y muchos sistemas de la galaxia. Cuando se inicia la novela, la humanidad está en guerra con otra especie, los duglaari. Los duglaari o "doogs" se basan en su superioridad numérica para ir venciendo en la guerra, los humanos les presentan débiles batallas que invariablemente pierden. La superioridad doog es innegable. Sus computadoras son más rápidas y adaptables que las computadoras humanas, así que la estrategia dictada por las computadoras doog es netamente superior a la estrategia de las computadoras humanas.
Aproximadamente trescientos años antes de los sucesos de la novela, cuando se encontraron las especies humana y duglaari y empezara la guerra, los habitantes del sistema solar detuvieron su participación en la guerra y se aislaron. El líder de esos tiempos, Douglas McCay, publicó y difundió un discurso que se conoció como "La Promesa", básicamente era una promesa para salvar a la raza humana, que encontarían una forma de vencer la superioridad numérica de los duglaari.
El aislamiento del sistema solar se aseguró mediante minas automáticas en todas las rutas de acceso al sistema, así que al sistema solar se le empezó a conocer como "Fortaleza Sol" y a sus habitantes como "Solarianos". Durante casi trescientos años se interrumpieron todas las comunicaciones y contacto, así que la humanidad se dividió entre los colonos, la Confederación Humana y los solarianos, los habitantes de Fortaleza Sol. A pesar de que los solarianos son parte de la humanidad, nadie los ha contactado, están rodeados por un halo de misterio y apoyados solamente por la fe en La Promesa.

Bajo este contexto, una nave solariana contacta al planeta principal de la Confederación, Olympia III. La recepción de la nave solariana se hace en medio de una gran curiosidad y expectación aunque al final los solarianos son solamente humanos, igual que ellos. Confirman que, efectivamente, vienen a cumplir La Promesa, sorprendentemente lo van a hacer con una sola nave de transporte, no de guerra y sin ninguna arma apocalíptica, y tan sólo piden la participación de un confederado: el comandante de flota Jay Palmer para que cumpla las funciones de embajador de la Confederación.

Portada de la edición en español, edhasa, 1982. En lo personal me gusta mucho más esta portada que la infantil ilustración de la edición en inglés. A primera vista la novela es apenas una space opera sin mucho interés ni imaginación. En el texto principal del post escribo mis impresiones de lo que pienso Spinrad realmente nos quiso decir. Un mensaje importante, abstracto, abierto a la imaginación y a las interpretaciones, como esta portada.

El humano de la Confederación, Jay Palmer, creció dentro de la sociedad burocratizada, ordenada y jerárquica producto del militarismo y la guerra. Nunca se le ha permitido tomarse el tiempo de reflexionar y considerarse a sí mismo como ser humano, la sociedad y él mismo siempre lo han considerado parte de un sistema, de una maquinaria mayor como una tuerca a un dispositivo grande y complejo.
Los solarianos (la tripulación solariana consiste en seis humanos, tres hombres y tres mujeres) han aprendido a desarrollarse como humanos, a formar una sociedad humana compuesta por grupos orgánicos (como ellos seis) maximizando sus talentos naturales: liderazgo, pensamiento estratégico, empatía (dado que es un relato ciencificcioñero, Spinrad se da una pequeña licencia literaria y les otorga poderes telepáticos a un par de solarianos, sin embargo, esta licencia después se descubre imprescindible para la trama).
Los "grupos orgánicos" son agrupaciones a mitad del camino entre una "familia" y un "grupo de amigos". Hay lazos entre ellos, de amistad, compañerismo y solidaridad tan fuertes y acoplados que les permiten convivir y trabajar para lograr un mismo objetivo. El sexo se considera una forma de convivencia y aceptación social, no como una forma rígida de compromiso, o moneda de cambio, o chantaje, favor, obligación ni alguna forma en que se le considera dentro de las sociedades rígidas, fuertemente jerárquicas y aglutinadas por factores externos (en el caso de la sociedad ficticia de la Confederación Humana el factor externo aglutinante es la guerra, en el caso de la sociedad real del planeta Tierra es el dinero).

Creo que huelga decir que Palmer ve todos estos cambios con sorpresa, confusión y curiosidad, le toma un par de semanas comprender y aceptar, y algunos días en asimilarse.

El plan de batalla de los solarianos inicia con una visita a Dugl, el planeta central del imperio duglaari y rendirse total e incondicionalmente. Todo el estado mayor de la Confederación se ríe ante esta posibilidad y el líder solariano, Dirk Lingo, les aclara que es solamente una estrategia para obtener audiencia con el Kor, el líder de los duglaari (hay que notar que un par de confederados, el mariscal supremo Kurowski y el comandante Jay Palmer, recién ascendido a general y embajador plenipotenciario, ya sospechan que la estrategia de los solarianos implica una trampa para los duglaari).
Los humanos consiguen una audiencia con el Kor y como parte de la rendición, los solarianos ofrecen abandonar todas sus colonias (la Confederación) con tal de que los duglaari respeten al sistema solar, sin embargo el Kor no acepta esta condición y amenaza con la destrucción total del sistema solar. Ante el fracaso, los humanos se van de Dugl en su nave (no huyen, los telépatas forman una imagen mental simulando una bomba de fisión. Engañan a los doogs y a sus computadoras así que los dejan salir hasta los lindes del sistema Dugl, punto en el que Jay Palmer salva la nave mediante una estrategia militar de retirada).

En este punto es donde uno se da cuenta que la trama cienciaficcioñera (el viaje de la nave solariana al corazón de la civilización duglaari) es apenas una excusa bien hecha e integrada para mostrarnos un aspecto de la evolución cultural humana.
Inicié este post con el texto de contraportada de "Los Solarianos" diciendo que era una sinopsis justa e injusta de la trama de la novela. Espero que el contexto ya sea suficiente para aclarar este punto: sí, los solarianos se aislan y deciden reaparecer para salvar a la humanidad; lo que no dicen es que los solarianos son meros humanos y que se les conoce así porque son originarios del sistema solar. Al principio de la novela se explica que los doogs son mamíferos, tales como los humanos, así que lo que dice la sinopsis "unas criaturas que quizá no sean mas que ingeniosas computadoras" suena un poco fantasioso. Uno de los objetivos de la narración de gran parte de la novela (después de que los humanos estuvieron en Dugl, capital del imperio doog) es analizar las características principales de la sociedad duglaari y la sociedad humana. Los duglaari son totalmente lógicos, eficientes y faltos de emoción y se rigen exclusivamente por órdenes de una computadora (la computadora central en Dugl), todas sus acciones y planes se guían por los lineamientos y órdenes de sus computadoras. Los humanos, en cambio, son emocionales e ilógicos, eso tiene la ventaja de la creatividad y la desventaja de la impredectibilidad. Es por eso que los duglaari odian a la humanidad. La odian y la temen a muerte, por eso la guerra.
La Confederación Humana está perdiendo la guerra porque la pelean como si fueran duglaari, lógicos, matemáticos, eficientes..., predecibles y ante eso los duglaari llevan más de un siglo de ventaja, aparte de su gran superioridad numérica.

La única forma de ganar la guerra y evitar la extinción de la humanidad es seguir una estrategia humana, utilizar las características que nos hacen "inferiores": creatividad e impredictibilidad.
La estrategia de la rendición incondicional es tan sólo un truco que oculta la verdadera defensa; tal como lo dijeron los solarianos, el cuento de la rendición era tan sólo una forma de conseguir audiencia con el Kor, tal como lo intuyeron los confederados, el cuento de la rendición era tan sólo una forma de enmascarar una especie de ataque sorpresa que nulificara la avasallante superioridad numérica duglaari.

El aislacionismo del sistema solar se debió a una revolución y reorganización social a nivel planetario, violenta y caótica, pero de ahí surgió una nueva sociedad más humana, más libre, menos mecanizada. Hay que tomar en cuenta que Spinrad escribió "Los Solarianos" a mediados de la década de 1960 y muchos de los ideales de esa época están planteados como características de su sociedad evolucionada culturalmente: empatía, fraternidad, amor y sexo libre, fomento de nuestras habilidades humanas; tan diferente a la rigidez cultural e intelectual de la sociedad dominante.

Portada de la edición francesa.

Hacia el final de la novela se revela el verdadero propósito de los solarianos: atraer a los duglaari para que ataquen masivamente el sistema solar, cuando la flota duglaari se encuentre en el sistema, se hace que el Sol explote como una supernova destruyendo toda la flota atacante nulificando así la superioridad numérica de los duglaari. Los solarianos ya habían desarrollado esta estrategia desde hacía años y ya se había hecho la evacuacion de todo el sistema solar.

El sistema solar. Sacrificado a cambio de la supervivencia de la especie humana.

La destrucción y evacuación del sistema solar es algo considerado necesario por los solarianos para que la humanidad siga evolucionando culturalmente, para evitar su anquilosamiento en su cuna. Hablando cienciaficcioñeramente, esta conclusión es la misma a la que llega Isaac Asimov en su novela "Robots e Imperio" donde el robot telepático Gliskard Reventlov permite que se le haga daño a la Tierra, hasta el grado de volverla radioactiva e inhabitable, con el propósito de obligar a la humanidad a abandonar su cuna y conquistar la galaxia.

El sacrificio del sistema solar a cambio de nulificar la superioridad numérica de los duglaari también tiene un mensaje importante: no es posible obtener algo a cambio de nada; en este caso, nulificar la ventaja de los duglaari requiere un sacrificio mayúsculo, inesperado y creativo: la destrucción de todo el sistema solar.

Hablando literalmente....
Esta es la primera novela que escribió Spinrad y a pesar de la gran originalidad de la trama y de la creatividad de usar temas ci-fi trillados (space-opera, extraterrestres agresivos, guerra interestelar, viaje más rápido que la luz, telepatía) para exponer ideas difíciles de explicar por otros medios, la complejidad de mantener la trama bajo control hicieron que el escrito se le fuera de las manos un par de veces: en los primeros capítulos de la novela se estalece que Jay Palmer y el mariscal Kurowski, integrantes de la Confederación ya intuían los planes de los solarianos y a pesar de eso, Palmer queda confundido y enojado ante algunas estragias de los solarianos (ante la audiencia con el Kor, el "emperador" de los duglaari, los solarianos ofrecen a la Confederación como tributo para que dejen al sistema solar en paz. Palmer entra en cólera y se siente traicionado a pesar de que Dirk Lingo, líder del grupo orgánico que forma la expedición solariana, ya había dicho que lo de la rendición era un truco.
El inicio de la novela cae en un estilo un poco pulp (como un relato cutre, pues), aunque después la narrativa se vuelve más fluida, más estable; los personajes se redondean y se vuelven reales; pero lo importante es destacar que Spinrad tiene el suficiente oficio para desarrollar un relato de ci-fi para poder mostrar su ideas sin pontificar, moralizar o condenar.

Algo que no quiero que se me quede en el tintero: vagando por la red me encontré algunas críticas a esta novela, todas negativas pero ninguna presentaba alguna justificación, así que quedé totalmente convencido de leerla casi con desesperación.

Portada de una edición reciente de la novela.

Solariano inge y los doogs malditos.
Meshiko-Tenochtitlan 05.03.2010

--------------------- FIN DE TRASMISIÓN ---------------------------

Sketch doblado

A falta de una tira, ¿por qué no traer un sketch doblado por mí?
Yo interpreto al monje inexperto, y Álvaro Polo al Ayuda de Escritorio.

Al límite con Mel Gibson

FICHA TÉCNICA

Título: Al límite
Título original: Edge of Darkness
Dirección: Martin Campbell
País: Estados Unidos
Año: 2010
Fecha de estreno: 26/02/2010
Duración: 126 min.
Género: Drama, Thriller
Reparto: Mel Gibson, Ray Winstone, Danny Huston, Shawn Roberts, Peter Hermann, Caterina Scorsone, Frank Grillo, Gbenga Akinnagbe, Jay O. Sanders, Bojana Novakovic
Guión: Andrew Bovell, William Monahan
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures, BBC Films, Icon Productions, GK Films

SINOPSIS

El detective especializado en homicidios Thomas Craven (Mel Gibson) se reencuentra con su hija Emma (Bojana Novakovic) después de un tiempo separados. Pero el mismo día en que Thomas va a buscarla al aeropuerto, Emma es asesinada. En principio todo apunta a que el auténtico objetivo era matar a Thomas. Pero poco a poco se descubre la verdad: Emma era una amenaza para los Estados Unidos y no interesaba que siguiera viviendo. ¿Por qué?

CRÍTICA

Aunque su estatus de estrella continua, la verdad es que hacía ya ocho años que no veíamos a Mel Gibson en una pantalla de cine (fue Señales de M.Night Shayamalan donde ocurrió). Eso si, desde entonces hemos disfrutado de su vertiente como director, con películas tan polémicas o fuera de lo común como La Pasión de Cristo o Apocalypto. Pero ahora ha decidido volver con este thriller dirigido por Martin Campbell, y acompañado en el reparto por actores tan solventes como Ray Winstone o Danny Huston.

Con la horrible traducción española de Al límite (su título original es The edge of darkness) el film me ha resultado sorprendentemente decepcionante, no hasta el punto de suspender pero si para ser una película que teniendo en cuenta su función principal (ante todo entretener) lo hace de manera bastante intermitente, dependiendo de por donde circule la acción del film en ese momento. Y es que lo que en un principio pensaba yo que sería un film de venganzas personales (que, en el fondo, es lo que es) resulta que me he encontrado una variante de Erin Brockovich, donde en lugar de ver a Julia Roberts mostrando escote, nos encontramos a Mel Gibson repartiendo estopa. ¿Cual es entonces el problema?

Al límite es un thriller adulto, en lo que influye tambien la edad de su protagonista, que ya no está para ir pegando saltos por ahi. PERO (y como veis es un gran "pero") la película quiere mezclarme la seriedad de propuestas como Harry Brown (el film de venganzas protagonizado por Michael Caine) con el estilo de una aventura de Punisher, lo cual no tendría problemas si no fuera por lo descompensado de la citada mezcla, que nos da más de lo primero que de lo segundo, provocando graves altibajos en el ritmo de una historia que en algunos momentos no puede esconder su origen televisivo.

Pese a ello no puedo suspender a un film que más o menos sabe mantener un ritmo coherente, y cuyo interés sube muchos enteros en sus (por otro lado) escasas escenas de acción, destacando sin duda la final. Asimismo aunque sea un film al servicio de la estrella protagonista, aqui nos reencontramos con el Mel Gibson más arquetípico en su versión de padre vengador, pero el actor consigue una interpretación creible, ya que sabiendo sus carencias interpretativas, sabe dotar al personaje de los rasgos más característicos y apreciables en un personaje de este estilo (atención a la escena de la muerte de su hija en la ficción, donde el actor demuestra una vertiente dramática muy creible)

LO MEJOR: Mel Gibson, que sabe dotar a su personaje de lo que debe en un film de estas características. Asimismo las escasas escenas de acción, como la que motiva la venganza del protagonista (donde el actor demuestra un dramatismo sobrecogedor) o la del final, en el plan vengativo que (lamentablemente) no tiene gran parte del resto de la película.

LO PEOR: Los films sobre venganzas personales uno ya se imagina por los derroteros que circularán, pero aqui hay cierta descompensación entre el tramo más discursivo y el de acción, provocando en bastantes momentos cierta falta de interés ante lo que circula en pantalla.

Shutter Island de Martin Scorsese

FICHA TÉCNICA

Título: Shutter Island
Título original: Shutter Island
Dirección: Martin Scorsese
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 19/02/2010
Duración: 140 min.
Género: Drama, Thriller, Intriga
Calificación: No recomendada para menores de 18 años
Reparto: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Williams, Max von Sydow, Jackie Earle Haley, Elias Koteas, Patricia Clarkson, Ted Levine
Guión: Laeta Kalogridis
Distribuidora: Vértice Cine
Productora: Paramount Pictures, Phoenix Pictures, Appian Way, Hollywood Gang Productions, Sikelia Productions

SINOPSIS

En el año 1954, el policía estadounidense Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) acude a Shutter Island con una misión especial: investigar la repentina desaparición de una asesina que estaba internada en el hospital de enfermos mentales. La película supone la cuarta colaboración entre Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio.

CRÍTICA

La fructífera relación entre Martin Scorsese como director y Leonardo DiCaprio como actor continua en este film, la cuarta colaboración de ambos en conjunto (las anteriores recordemos que fueron Gangs of New York, El aviador e Infiltrados). En esta ocasión adaptan una novela de Dennis Lehane, autor conocido por el gran público desde que Clint Eastwood adaptara otra obra suya, Mystic River. Y si ya los resultados de la citada película fueron (al menos para un humilde servidor) realmente memorables (de hecho casi me atrevería a decir que Mystic River fue la mejor película de su año de estreno) otro tanto me he encontrado aqui: Shutter Island es una gran obra de todo un gran maestro como Scorsese. Eso si, CASI digna de matricula de honor... pero casi.

En esta ocasión Scorsese demuestra su gran trabajo y experiencia con un film que te atrapa desde sus primeras imágenes, cuando ya todo indica que algo se nos está escondiendo y que el ambiente desprende una falsa normalidad. El misterio y el suspense están muy bien llevados, incluso cuando uno ya empieza a pensar que las cosas van a girar hacia una determinada dirección, por muy improbable que parezca (momento este en que a uno se le puede pasar por la mente algún argumento similar en series como La Dimensión Desconocida). Con un estilo y una estética clásica, que por momentos recuerda al mejor Hitchcock, el gran Scorsese consigue sacar lo mejor de sus actores, y es que no sólo citaría al DiCaprio protagonista (todo un gran actor que ya ha demostrado su valía más allá del éxito que le proporcionó Titanic) sino que también son destacables, en menor o mayor duración, las presencias de Ben Kingsley, Mark Ruffalo, Max Von Sydow y Jackie Earle Haley (actor este último que viéndolo como Rorschach en Watchmen o imaginándoselo como Freddy Kruger nos hace pensar si se especializará en papeles de personas con problemas mentales... ya que ese es su rol en Shutter Island)

¿Que hace grande a una película como esta? Que te atrape, que desde el principio te quedes enganchado hacia la historia que te están contando y de la manera en la que te la están contando. Y sobretodo que provoque interés al espectador por conocer la obra que hay detrás (la novela en este caso) y que ha sido adaptada en ese formato. Scorsese lo sabe y lo logra, dando toda una sabia lección de dirección (incluidos sus actores) en un film que, pese a todo, es CASI excelente. Pero lamentablemente tal nota máxima no la consigue al pecar de lo que la mayoría de cine estrenado por estos tiempos suelen tener como error mayúsculo: una dilatación temporal totalmente innecesaria. Aún así no sabría determinar que sobra en la historia, aunque el tramo final se me hizo a mi un poco repetitivo teniendo en cuenta que lo que me querian decir ya lo habian hecho antes.

Pero si obviamos esa duración hipertrofiada, el resultado final es uno de los mejores dramas psicológicos de misterio que he visto en mucho tiempo, y aunque hablo sin haber leído la novela en la que se basa (cosa que pretendo remediar pronto, ya la tengo reservada en la biblioteca) si valoramos los libros según la calidad de los films resultantes (Mystic River primero y ahora Shutter Island) la calidad del autor de ambos bet-sellers es sin duda alguna digna de seguir. O quizás es que ha tenido la suerte de contar con directores tan talentosos como Eastwood o Scorsese, de cara a darle rostro a los personajes de sus novelas.

LO MEJOR: Casi todo, la dirección es adecuada y por momentos sobresaliente, los actores estan todos bien, el suspense está muy bien llevado (que nadie se lleve a errores porque no hay nada del terror que anuncian por según que sitios, sería sobretodo un drama de suspense psicológico). Y bueno, casi todo el elenco actoral está acertadísimo en sus interpretaciones, la historia es entretenidísima y consigue engancharte bien pronto, y la calidad visual del film es digna de mérito (con mención especial a las escenas oníricas del protagonista).

LO PEOR: Casi nada, pero principalmente cuando en el tramo final ya se ha dado la gran sorpresa sobre cierto hecho, demasiado recalcado de ahi hasta su conclusión.

NOTA: He procurado hacer una crítica sin spoilers, espero haberlo conseguido. De todas maneras sois libres de poner en los comentarios lo que querais, ya que estoy viendo en las estadísticas de este blog que me entran visitas por gente que no entiende el final del film. Asi, dado el caso, se pueden contrastar opiniones.

El Hombre Lobo de Joe Johnston

FICHA TÉCNICA

Título: El hombre lobo
Título original: The wolf man
Dirección: Joe Johnston
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 12/02/2010
Duración: 104 min.
Género: Thriller, Terror
Calificación: No recomendada para menores de 13 años
Reparto: Emily Blunt, Benicio del Toro, Anthony Hopkins, Hugo Weaving, Geraldine Chaplin, Art Malik, Kiran Shah, Elizabeth Croft, Sam Hazeldine, David Sterne
Guión: Andrew Kevin Walker, David Self
Distribuidora: Universal Pictures
Productora: Universal Pictures, Stuber Productions

SINOPSIS

Lawrence Talbot (Benicio del Toro) es un noble que debe regresar con su familia, muy a su pesar, tras la desaparición de su hermano. La vuelta a casa le hará recordar que está enemistado con su padre (Anthony Hopkins) y que perdió su juventud el día que murió su querida madre.

Pero ahora debe atender a su hermano, a la prometida de éste (Emily Blunt) y a los extraños sucesos que tienen lugar en el pueblo, donde los vecinos están siendo atacados por "algo" que impregna de sangre el ambiente. Lo que no sabe Lawrence es que él puede ser más peligroso todavía.

CRÍTICA

Hubo un tiempo, hace ya décadas, en que los monstruos consiguieron asustar a toda una generación, más inocente que la actual y por lo tanto más impresionable. Eran los tiempos de Drácula, Frankenstein, la Momia o el Hombre Lobo, por poner sólo unos ejemplos. Pero el mundo evoluciona, las generaciones van teniendo un mayor nivel de información, y por lo tanto los miedos que asustaban a nuestros abuelos ya no nos inquietan, ya no nos asustan, ya pierden.... ¿su razón de ser? No... si se saben tratar.

En el género del terror probablemente la criatura más revisionada una y otra vez han sido los vampiros, pudiendo ir los resultados y la calidad en función de lo que uno espere (y sino compárense los de las películas Crepúsculo, 30 días de oscuridad, Blade o Drácula de Francis Ford Coppola, todos ellos los mismos personajes pero desde diferentes puntos de vista) En ese sentido la última que he citado es el mejor ejemplo de cómo reinventar para las nuevas generaciones todo un clásico del miedo, transformándolo en un drama romántico y épico realmente digno de ser una de las mejores películas de las últimas décadas (al menos bajo la humilde opinión de este servidor). Parte del mérito, como no, hay que adjudicárselo a Coppola, que supo insuflar en la cinta un toque personal, al que ayudaron unos actores en estado de gracia (incluso el muchas veces criticado Keanu Reeves hizo aquí uno de sus mejores papeles, nuevamente bajo mi humilde opinión). Ese género revisionista continuó con el Frankenstein de Kenneth Branagh, de un estilo parecido al Drácula Coppoliano en cuanto a drama romántico de época con toques de terror. Lamentablemente la grandilocuencia propia de su director provocó un resultado final con tantos admiradores como detractores, a lo que hay que sumar un fracaso en taquilla al competir (y perder) con el estreno de Entrevista con el vampiro (el preludio más claro a la actual y famosa Saga Crepúsculo)

En este revival noventero que hubo de esos famosos monstruos (Drácula es de 1992 y Frankenstein de 1994) se podría añadir (aunque con reservas) La Momia protagonizada por Brendar Fraser en 1999, pero su tono más aventurero que asustador creo que la aparta bastante de la concepción original del personaje. Por eso parecía que no habría más retornos a los viejos estilos, hasta que llegó esta El Hombre Lobo, remake del clásico de 1941. El film de Joe Johnston vendría a continuar el revival iniciado por el film de Coppola y continuado con Branagh, aquí con una de las criaturas más famosas de la mitología del terror, pero también una de las que ha corrido peor suerte en pantalla (¿cuántos títulos DESTACABLES ha habido con hombres-lobo de protagonistas? Me parece que los que merecen la pena se pueden contar con los dedos de una mano).

La esperanza (al menos la mía) era el encontrarme con algo al mismo nivel que los dos films de los noventa antes citados, cosa que tengo que decir que si me han dado en el apartado visual... aunque no en el argumental. Con una montaña de incidencias hasta que por fin ha visto la luz (cambio de director, varios retrasos en su fecha de estreno, etc.), el mayor problema del que cojea este Hombre Lobo es sin duda su guión, y es que lejos de complejidades góticas o dramas filosóficos, aquí simplemente tenemos un drama familiar que interrelaciona a los cuatro protagonistas de la película (o sea, Benicio del Toro como el protagonista, Anthony Hopkins como su padre, Emily Blunt como su amada y Hugo Weaving como el inspector que lo persigue) No habría problema en ello si no fuera porque en los 104 minutos de metraje los personajes apenas son esbozados, sin una progresión que los haga no sólo creíbles, sino empatizables: sirva como ejemplo la apenas episódica relación entre los personajes de Benicio del Toro y Emily Blunt, lo poco (tirando a nada) que se desarrolla al Inspector Abberline interpretado por Weaving (máxime cuando fue un personaje real que investigó el famoso caso de Jack el Destripador) o lo poco que se profundiza en el personaje de Anthony Hopkins, por momentos más interesante que el mismo protagonista. Incluso la (relativa) mayor sorpresa que nos da la historia (el saber quien es el otro Hombre Lobo de la historia) peca de ser previsible de manera muy clara. Eso si, hay que agradecerle unas escenas de acción donde en los ataques del licántropo la sangre corre a mansalva (cosa que es lo lógico y lo normal.... pero todos sabemos los tiempos tan hipócritamente censurables en los que vivimos, en especial en los Estados Unidos, país de origen de la película)

Puede que en el fondo sólo hayan buscado realizar un film que contente al mayor público posible (cogiendo por tanto el camino de la sencillez y la simplicidad), pero con los materiales con los que partía y el reparto que tenía, sin duda alguna le queda a uno la sensación de que este Hombre Lobo se ha quedado a medias de lo que podía haber sido (un film al nivel de la obra maestra del Drácula de Coppola, o el destacable resultado del Frankenstein de Branagh) para convertirse en un mero entretenimiento, eficaz y con el que uno no se aburre, aunque sin detalles que lo hagan perdurable en la memoria (salvo quizás, como he citado antes, los brutales ataques del licántropo). Y eso pese a que las labores de vestuario, fotografía, maquillaje, banda sonora, efectos especiales, etc son magníficas, sobretodo con un Hombre Lobo tan respetuoso con el original (encarnado por Lon Chaney) como creíble teniendo en cuenta los tiempos en los que vivimos, en los que los espectadores han perdido la inocencia que citaba al principio de este comentario, y por lo tanto quieren algo que parezca real y no un burdo maquillaje. Parte de ese mérito va sin duda para Rick Baker y su equipo, cuya labor es digna de mérito (atención a la bestial transformación, realmente asombrosa), pero lamentablemente tanto eso que el resto de detalles no consiguen mantener una película a la que Johnston no parece haber aportado nada más allá de un nombre en la silla del director (detalles a priori tan interesantes como que la licantropía sea tratada como una enfermedad mental apenas son simplemente esbozados como preámbulo a uno de los ataques de la bestia). Por lo tanto sin garra ni fuerza en su historia como para atrapar al espectador, el film se convierte simplemente en una película más, a la que salvan sin duda más los detalles secundarios que por lo que es en si el film. ¿Qué hubiera hecho con este material Mark Romanek, su responsable inicial, u otro director con toques personales como por ejemplo Tim Burton? Ante eso sólo nos queda especular.

LO MEJOR: Los actores masculinos (Emily Blunt no es que lo haga mal, simplemente es que su personaje es el más flojito de los cuatro principales). También los detalles propios de un film de estas características (decorados, fotografia, vestuario, etc.) con especial mención a los efectos especiales y de maquillaje a cargo del maestro Rick Baker.

LO PEOR: Con una base y unos elementos como para crear una gran película, el resultado final peca de simple y previsible (aún siendo eficaz y entretenido), probablemente por culpa de su accidentada post-producción así como del impersonal tratamiento de su director en el producto final.

Los Mayores Temores Mundiales: ¡Los Juguetes Asesinos!

Demasiado obvio

Demasiado simple
(esperen a ver lo de la próxima semana)

Demasiado complicado!

Demasiado feo!
(hey, no te hemos visto en otra parte?)

Ah! Estos deben ser....

Fue difícil determinarlo y generó mucha discusión, pero en realidad era obvio. Qué puede ser capaz de atemorizarnos más que la idea de que algo malo le ocurra a nuestros hijos??? Por eso, al finalizar nuestra cuenta regresiva presentamos en el puesto numero uno:

LA PINTURA DE PLOMO EN LOS JUGUETES

En el 2007, Mattel tuvo que retirar de las perchas más de 9 millones de juguetes que contenían pintura de plomo, que puede causar atrofia en el desarrollo cerebral de los niños. Este retiro fue seguido por otros de distintas empresas de juguetes, cada una de las cuales había descubierto plomo en sus pinturas.

La responsabilidad cayó sobre los relajados estándares de seguridad de las fábricas chinas. Más del 70% de los juguetes vendidos en el mundo son favricados en China, lejos de las regulaciones americanas o europeas.

Mattel llegó a un acuerdo por $12 millones con 39 jueces estatales por su papel en el asunto y el Congreso de U.S.A. pasó nuevas regulaciones de seguridad, diseñadas para controlar mejor las importaciones.


La proxima semana: Iniciamos una nueva cuenta regresiva con LOS 10 PEORES ACCIDENTES DE LA HISTORIA

El Sueño de Hierro

El Sueño de Hierro es una novela ucrónica escrita en 1972 por Norman Spinrad.

Portada de la primera edición en español, ed. Minotauro, 1978.

La novela es muy diferente a todo el esquema "normal" de las ucronías en el sentido de que nunca explica el POD (Punto de Divergencia) y desde el principio se habla como si la realidad fuera la historia alterna propuesta: se habla de Hitler como escritor, su última novela "El Señor de la Svastika" escrita en 1953, antes de morir y se establece que sus escritos son bastante populares, y se habla de tiempos tan "sombríos y terribles como los nuestros".

A primera vista la novela "Sueño de Hierro" solamente sirve para presentar la novela "El Señor de la Svástica" escrita por Adolf Hitler en un mundo ucrónico, una historia alterna de una realidad hipotética.
Y sí, "El Señor de la Svástica" tiene todo el estilo que Hitler usó para su libro "Mi lucha", sí, toda la temática, la narrativa plana e infantil, los personajes acartonados, TODO corresponde a la forma de pensar de un fanático sin imaginación, rimbombante, contrahecho -por lo menos moralmente, culturalmente y literariamente.

Y sí, es realmente admirable que Norman Spinrad haya dejado que su mente trabajara como la de los nazis; es realmente sorprendente que haya podido mantener durante toda la novela el estilo plano y triunfalista hitleriano, el ritmo in crescendo desde una prosa pueril y aburrida hasta niveles narrativos verdaderamente histéricos, fanáticos y aterradores (es decir, aterradores para aquellos que ya sabemos hasta qué niveles de locura y crueldad eran capaces los nazistas, y todavía saber que se justificaban a sí mismos autoconvenciéndose que era su "deber moral").

"El Sueño de Hierro", reedición en español a cargo de la editorial Grupo AJEC, 2006, además del contenido original de la edición anterior se han agregado dos ensayos de Spinrad donde aclara algunos puntos del "Sueño de Hierro" desde el punto de vista ideológico y literario.

En su magnífica reseña en el sitio ciencia-ficcion.com, José Suñer Iglesias menciona que "El Señor de la Svástica" llega a producir miedo y aburrimiento por partes iguales; miedo por el nivel de paroxismo nacionalista -al nivel de justificar el asesinato- y aburrimiento por el sentido tan panfletario del escrito, su acartonamiento, su discurso de odio racista. Llega a tales niveles de ridiculez (es verdaderamente destacable que Spinrad esté en los límites de lo que es gramaticalmente aceptable, use frases simplistas y hasta cometa -adrede- faltas de ortografía-gramática-semántica, como poner en boca de Feric Jaggar, su personaje principal, la frase "debe haber un mudo" en vez de "debe haber un modo") que uno solamente puede tomar en serio a "El Señor de la Svástica" como una parodia, como un remedo literario de lo que fue el ascenso de Hitler al poder (todo lo que cuenta la novela SÍ fue lo que pasó en la carrera de Hitler hasta convertirse en líder absoluto de la Alemania nazi, claro con MUCHAS exageraciones literarias y licencias poéticas).

Portada de la primera edición en inglés. Avon Books, 1972.

Al principio Spinrad pensó que el tono exagerado y la evidente estilo de ruptura con su ideología personal iban a ser suficientes para que todos los lectores comprendieran el tono satírico y crítico del "Señor de la Svástica", pero para asegurarse que hasta los lectores históricamente ingenuos y los inconscientes captaran el mensaje, escribió un análisis crítico usando otro personaje: el crítico literario Homer Whipple, de la Universidad de Nueva York; casi todos captaron el objetivo, pero aún sí el Partido Nazi de América lo puso en su índice de lecturas recomendadas y hubo gente y hasta un fanzine que alabó el argumento y la historia, aunque era un poco molesto que hubiera metido todo eso de Hitler.

En lo personal siempre consideré a las novelas "El Hombre en el Castillo" y "Pavana" como las mejores en el campo de la ucronía, pero después de leer "El Sueño de Hierro" tuve que reevaluar mis consideraciones ucrónicas.

Norman Spinrad.

Soñado inge y los férricos malditos.
Meshiko-Tenochtitlan 11.02.10
--------------------- FIN DE TRASMISIÓN ---------------------

Tiana y el Sapo (The Princess and the Frog)

FICHA TÉCNICA

Título: Tiana y el sapo
Título original: The princess and the frog
Dirección: Ron Clements, John Musker
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 05/02/2010
Duración: 97 min.
Género: Romance, Musical, Familiar, Animación
Calificación: Apta para todos los públicos
Reparto: John Goodman, Terrence Howard, Keith David, Anika Noni Rose, Oprah Winfrey, Jenifer Lewis, Jim Cummings, Bruno Campos, Jennifer Cody, Elizabeth M. Dampier
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Productora: Walt Disney Pictures, Walt Disney Animation Studios

SINOPSIS

Las mágicas tierras de Nueva Orleans, en Louisiana, sirven como escenario de este musical de Disney protagonizado por la princesa Tiana (con la voz original de Anika Noni Rose). La joven vivirá una tierna historia de amor, hechizos y sorpresas, acompañada por un cocodrilo cantarín y por las melodías cajun, que no paran de sonar.

CRÍTICA

En el mismo año en que la Disney ha conseguido volver a colocar una película de animación como finalista al Oscar a mejor película (me refiero a Up; la anterior fue La Bella y la Bestia en 1991) también ha sido la fecha escogida para volver al tradicional cine en 2D, abandonado desde hacía seis años cuando Zafarrancho en el rancho fue un fracaso en taquilla (decidiendo por aquel entonces que cerraban el departamento de animación tradicional, concetrándose sólo en la generada por ordenador, que con el sello Pixar les ha valido un éxito tras otro en los últimos años).

¿Y que tal ha sido este "retorno" de la factoria Disney a lo que sin duda alguna les hizo famosos durante décadas? Pues simplemente correcto: a diferencia de Pixar que se arriesgó buscando productos novedosos en cada nueva película (hasta ahora que parece que van por el camino cómodo, con secuelas como las próximas Toy Story 3 y Cars 2) este retorno de Disney a su animación clásica nos da justamente eso, un film CLÁSICO. La historia sería una especie de traslación de la Cenicienta en Nueva Orleans y protagonizado por la primera princesa de color de la factoría, pero el resto cumple todos los esquemas de la casa: ahi están por ejemplo el cocodrilo y la luciérnaga, típicos secundarios simpáticos y característicos de una producción de este estilo. Eso si, tiene ciertos detalles llamativos como que aunque el príncipe busque el amor, lo que le mueva al principio sea el interés (monetario) y el vivir del "gorroneo" (vamos, que ya ni los príncipes son tan ideales como en el pasado).

Eso si, no por ello estamos hablando de una película a menospreciar: como he dicho antes consigue mantener un muy buen ritmo durante su poco más de hora y media de duración, donde abundan los números musicales como en toda producción clásica de Disney (aunque quizás demasiados para el gusto de algunos), obra en este caso de un Randy Newman que envuelve el apartado sonoro de la película con mucho estilo de jazz y cabaret. Por ello el resultado final es una película que cumple a la perfección con el público al que va orientada (el infantil, especialmente las niñas) pero que dejará un poco frios a aquellos que vayan buscando algo novedoso en el estilo de narrarnos este cuento de princesas y sapos, ya que parece como si los creadores del film hubieran preferido ir por camino seguro (lo de siempre como siempre) antes que arriesgarse con novedades que hubieran roto el estilo habitual CLÁSICO de los films Disney, presente en Tiana y el Sapo desde la primera hasta la última imagen.

En el apartado de doblaje destacaría a Javier Gurruchaga, que después de poner voz a la Rana de Ratónpolis hace ahora lo propio con el Doctor Facilier, villano de la función (y en ocasiones más interesante que los propios protagonistas) cuyo aspecto me recordó al Barón Samedi, el malo de Vive y deja morir. No es el único detalle que esconde el argumento, habiendo otros como el evidente homenaje que hacen respectivamente el cocodrilo y la luciernaga con sus nombres a los clásicos Louis Armstrong y Ray Charles (y eso sin citar los guiños autoreferenciales de películas de la misma Disney).

LO MEJOR: Es lo que promete ser (es decir, una película de estilo clásico dentro de lo que normalmente nos estrenaba cada año la Disney)

LO PEOR: El estilo clásico citado en el anterior punto, que no da entrada a novedades sobre una fórmula que funciona pero que... ¿cansa? Eso depende de cada espectador.

CORTO: La Teta Caída

Mi versión de la película peruana "La Teta Asustada".