Los desmatrixados II

Lo que más molió a palos la saga "Matrix" fue la tercera película: "Matrix: Revolutions".

 

Póster promocional de la película.

Aunque desde el punto de vista argumental es la más interesante, el tratar de mantenerse con un punto de vista filosófico logra que la película se vuelva enredada, confusa, jalada de los pelos y con un final poco satisfactorio:

Tras los eventos de "Matrix Reloaded", Neo está inconsciente, en coma en el mundo real, nadie sabe qué le ha pasado dentro de la Matrix; el cerebro del tripulante Bane está infiltrado y controlado por el "programa autónomo" Smith, los centinelas están a punto de iniciar su ataque a Zión y dentro de la Matrix, el virus Smith se ha seguido reproduciendo o clonándose sin control apoderándose de todos los ciudadanos e incluso de los agentes. El guardián de la pitonisa, Seraph (Serafín pa' los cuates) les avisa a Morpheus y Trinity que Neo está atrapado en una estación de paso entre lo real y lo virtual controlado por el Merovingio, así que lo buscan, lo enfrentan y rescatan a Neo. Neo tiene visiones de la Ciudad de las Máquinas, así que entra a la Matrix y le pregunta a la pitonisa acerca de esa Ciudad y si ese es su destino. La pitonisa le dice que debe buscar la ciudad y "que todo lo que tiene un principio tiene un final". Neo debe abandonar la Matrix porque Smith está clonando su imagen y asimilando a todos, incluyendo a Seraph y la Pitonisa. En el mundo real, Neo despierta y junto a Trinity emprenden un viaje a la Ciudad de las Máquinas mientras Morpheus y Niobe hacen una última y desesperada defensa de Zión. En el aerodeslizador donde van Neo y Trinity, Bane se cuela como polizón y trata de matar a Neo. Falla en su intento, pero lo deja ciego; Trinity trata de pilotar el aerodeslizador para evitar a los sentinelas de la Ciudad de las Máquinas pero se estrella en el intento y muere en el accidente (en forma por demás dramática y hollywoodense, en brazos de Neo). Neo continua a pie y dialoga con Deux ex Machina (mmmmhhh...), máquina jefaza de todas las otras máquinas y negocia un trato: eliminar al programa autónomo Smith dado que ya ha asimilado a todos los seres matriciales, está saturando a la Matrix y amenaza con accesar la Fuente (el centro de control de la Matrix), a cambio, las máquinas deberán cesar su ataque a Zión y convivir con los humanos que quieran ser libres. Neo se conecta a la Matrix y enfrenta a su némesis Smith, dejándose asimilar y terminando al programa Smith, puesto que ya ha conseguido su objetivo y logrando que la Matrix se reinicie (algo así como resetear Windows, me imagino) y al final todos felices, la Pitonisa y el Arquitecto vuelven a su forma que tenían y acuerdan liberar a todos los humanos que quieran.

Neo en "negociaciones" con Deux ex Machina.

Quizá lo más destacable de la tercera parte sea la reaparición de Perséfone con un vestidito bastante..., "talentoso".

Perséfone y el Merovingio.

Pero fuera de eso, la película ya no tiene atractivo, ni personajes, ni efectos, ni trama ni nada. Incluso en los videos de "Filosofía y la Matrix" la temática de "Matrix Revolutions", desde un punto de vista filosófico, escapa del raciocinio y entra a terrenos del mito y esoterismo. El argumento, aparte de alrevesado y jalado, es ilógico: las máquinas no razonan, son totalmente amorales, persiguen un objetivo lógico, sin consideraciones éticas ni filosóficas. ¿Negociar con las máquinas? Dado que las máquinas ya habían descubierto Zión y estaban a punto de destruir la resistencia humana, ¿no hubiera sido más lógico encontrar otra forma de resetear la matrix para eliminar al programa Smith?, de hecho, ¿no fue ilógico darle autonomía a un programa desde el principio? (punto de vista Windows: "sí, era inevitable", punto de vista Unix: "no, ningún programa corre sin supervisión del sistema"). Si ya todos los humanos en Zión sabían que la forma más efectiva de eliminar a los centinelas era mediante EMP (Pulsos ElectroMagnéticos), ¿no era más lógico formar una defensa con baterías de generadores EMP activados en serie con diferencias de .5 segundos o algo así? ¿Para que querían más maquinas que dispararan balas? ¿Para poder gritar "mueran, centinelas malditos" o algo así (no muy efectivo pero sí muy dramático)?

Y aparte el piloto de las APU (Armored Personnel Units - Unidades Personales Blindadas) está totalmente desprotegido. ¿No se supone que está blindada?

Desmatrixado inge y los revolucionarios malditos

Meshiko-Tenochtitlan 29.10.09

------------------ TRASMISIÓN INTERRUMPIDA --------------------

Addenum: en 2018 subieron un video de análisis para eplicar porqué la secuelas de "The Matrix" son tan malas (en inglés, desafortunadamente, repito el addenum porque "Revolutions" es todavía más mala que "Reloaded"):

BIENVENIDOS A ZOMBIELAND

FICHA TÉCNICA

Título: Bienvenidos a Zombieland
Título original: Zombieland
Dirección: Ruben Fleischer
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 25 de diciembre del 2009
Duración: 90 min.
Género: Comedia, Acción, Terror
Reparto: Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone, Abigail Breslin, Amber Heard, Bill Murray, Derek Graf
Productora: Columbia Pictures, Pariah, Relativity Media

SINOPSIS

Comedia de terror protagonizada por Columbus (Jesse Eisenberg) y Tallahassee (Woody Harrelson), dos hombres que deben encontrar el modo de sobrevivir en una tierra infestada de zombis. Durante su lucha contarán con la ayuda ocasional de Wichita (Emma Stone) y la pequeña Little Rock (Abigal Breslin). Pero, ¿hasta cuándo aguantarán en el combate?

CRÍTICA

Es curioso que he tenido que ver DOS veces esta película (previo a su estreno español previsto para el próximo 25 de diciembre) para animarme a hacer la crítica. Con este comentario inicial más de uno empezará a pensar que menudo bodrio no ha de ser si ni tan siquiera me animó a escribir algo sobre ella la primera vez... y os equivocariais. La razón ha sido que si me quedo con la opinión inicial, probablemente estaría calificándola como uno de los mejores films del año, lo cual puede sonar a sobrevaloración; entonces decidí reposar mi comentario y darle una segunda oportunidad.

Con este segundo visionado queda confirmado: Bienvenidos a Zombieland es una de las más divertidas, cachondas, simpáticas y desternillantes comedias estrenadas en MUCHO tiempo. De entrada sólo con el detalle de su duración (90 minutos) se nota que estamos ante algo fuera de lo común: cuando el mayor problema actual de los films suele ser una dilatación temporal totalmente innecesaria, aqui es TODO LO CONTRARIO, una vez que has acabado de verla te preguntas: ¿Y ya está? Y es que te deja con las ganas de MÁS, mucho más (algo no muy habitual en los últimos tiempos por la cartelera). Porque la mayor virtud de la película es sin duda alguna su concisión: sabe lo que te tiene que contar y te lo cuenta de la mejor manera posible.

Parte del mérito también hay que achacárselo a los protagonistas, y no sólo a un chuleta Woody Harrelson cuyo personaje es el más macarra matador de zombis que te puedas echar a la cara, sino a un sensacional Jesse Eisenberg que representa el típico retrato del nerd (friki) americano: tímido, introvertido y poco sociable (atención a su primera y "especial" relación con su deseada vecina). Dos carácteres tan opuestos se juntarán con los dos personajes femeninos encarnados por Emma Stone y Abigail Breslin, dos timadoras que a base de engaños consiguieron vivir hasta ese momento en un mundo normal, y ahora en un pais de zombis. Con este cuarteto el film nos narra su travesia por Zombieland, donde tendrán que lidiar con muertos vivientes que pueden salir de cualquier parte (atención a las normas del protagonista para su autoconservación, especialmente a la desternillante del lavabo).

De todas maneras no acaba de ser un film redondo porque aunque estemos hablando de una comedia, cierta lógica y coherencia dentro del relato sería de agradecer. Eso lo mantienen por ejemplo en el fortuito encuentro con Bill Murray (interpretado por él mismo) y lo que sucede después, pero por ejemplo pecan de falta de ello en el tramo final, donde el hecho de ir las chicas adonde van es un claro reclamo contra lo que luchan (¿o es que no se dan cuenta?), o cuando las dos muchachas intentan escapar lanzando a un lago su más lógica y coherente via de escape (y cuando lo veais sabreis a lo que me refiero), o sin ir más lejos el sitio donde se refugian ellas dos (absurdo porque... ¿cuanto esperaban aguantar si no llega a venir nadie?) o el sitio donde se mete el personaje de Woody Harrelson para hacerse el Rambo (porque si no tiene munición suficiente, ¿entonces qué?)

Pero lo citado supongo que no son más que simples detalles de una película que no pretende sentar cátedra ni ser una obra maestra, siendo en su modestia donde tiene sus mayores aciertos. Si lo único que le pides a una comedia es que sea clara, concisa y divertida sin lugar a dudas esta es tu película. No será probablemente esta la última vez que la vea (repito en cines seguro) y han circulado rumores acerca de una secuela, en la que desde luego pueden contar conmigo como espectador.

LO MEJOR: Es divertida, concisa, entretenida y sus protagonistas están realmente muy bien (y se nota que se lo pasaron bien rodándola, cosa que transmiten en todo momento) Pocas veces se puede decir eso ultimamente, y menos de una comedia.

LO PEOR: Las incongruencias del tramo final, donde se suceden disparate tras disparate (que en pantalla funcionan, eso si... pero que no dejan de ser disparates).

(500) DIAS JUNTOS

FICHA TÉCNICA

Título: 500 días juntos
Título original: (500) days of Summer
Dirección: Marc Webb
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 23/10/2009
Duración: 95 min.
Género: Drama, Romance, Comedia
Reparto: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, Geoffrey Arend, Chloe Moretz, Matthew Gray Gubler, Clark Gregg, Patricia Belcher, Rachel Boston, Minka Kelly, Ian Reed Kesler
Distribuidora: 20th Century Fox
Productora: Watermark

SINOPSIS

Cuando Summer (Zooey Deschanel) finaliza de forma inesperada su relación con Tom (Joseph Gordon-Levitt), éste intenta desesperadamente averiguar qué ha sucedido. Tom trabaja a disgusto como redactor de contenidos para tarjetas de felicitaciones y además es un romántico incurable. Ahora Tom está dispuesto a repasar los 500 días de relación que vivió con Summer para averiguar cuál fue el momento justo en el que se inició el descenso de la relación.

CRÍTICA

¿En una película puedes ver reflejados hechos de tu propia vida? Yo creo que si, en algunos momentos, con algunos films, lo que vemos en imágenes en la pantalla es algo que nos suena, porque de lo que nos está hablando nos ha pasado también a nosotros, quizás no igual pero si de manera parecida. Eso es lo que me ha pasado a mi con estos (500) días juntos.

La típica historia de las comedias románticas donde una pareja en principio incompatible acaba junta tras varias peripecias con mayor o menor sentido del humor, pero en donde uno ya se sabe de antemano los vericuetos que se sucederán ante nosotros por el hecho de partir de un patrón preestablecido y archiconocido; ESO es lo que aquí no se da. Y os preguntareis, ¿una historia de amor sin amor y sin final feliz? Pues si, pero es que en este caso el argumento gana en realismo lo que otras pierden en ambientes y situaciones bobaliconas o azucaradas pero poco creíbles.

Cuidado porque con eso tampoco estoy diciendo que estemos ante una gran película (puede pecar en ocasiones de simpleza o esquematismo), pero si es cierto que como mínimo el argumento no engaña, siendo un film ideal para todos aquellos (que los habrá) que alguna vez en su vida idealizaron a su compañera de trabajo pensando que era su media naranja, cuando a lo mejor sólo quería una amistad (que es lo que le ocurre al protagonista hasta que al final aprende que el destino y las fantasías no determinan tu futuro sentimental... ¿o si?)

El título español del film no describe del todo su verdadero significado, ya que el original de (500) days of Summer es más exacto al referirse a los 500 días que el protagonista pasa con la citada chica, cuyo nombre es Summer (Verano) lo cual tiene especial gracia por el giro final relacionado con el Otoño (y que lógicamente aquí no citaré). Pese a ello la relación entre ambos personajes está muy bien descrita ya que el carácter fragmentado del relato nos sitúa cronológicamente hacia atrás y hacia delante de esos 500 días, mostrando como lo que empieza de una manera acaba de otra diferente, que sin ser la esperada puede ser la más coherente. Entremedio habrá numerosas citas de música o cine (por poner un ejemplo) así como otros recursos visuales (animación, pantalla partida para mostrar lo que se desea y lo que de verdad sucede, etc.) que servirán como acompañante a las vivencias entre dos maneras distintas de ver el amor, la dulce e idealizada por parte de él y la pragmática y realista por parte de ella.

LO MEJOR: Los dos protagonistas. Tanto él como ella están perfectos en sus respectivos papeles.

LO PEOR: Quizás el ser un poco esquemática sin ahondar en detalles que la hubieran hecho más redonda.

Bastardos Sin Gloria (Inglourious Basterds)

Inglourious Basterds es una película del director Quentin Tarantino (los datos completos de la película se pueden consultar el el post de "Malditos Bastardos (Inglorious Basterds) de Quentin Tarantino".

Uno de los pósters promocionales.

Esta es una crítica a la película y reflexiones derivadas de ella, pero algunos párrafos pueden considerarse spoilers o que revelan lo suficiente de la trama para el gusto de algunos.

Cuando vi los promocionales de la película se me quitaron las ganas de ir a verla, a pesar del nombre Tarantino (o quizá debido a esto, usar un nombre aprovechándose de su fama me da mala espina), sobre todo por las fotos promocionales donde se mostraba a un Brad Pitt demasiado exagerado en su papel, casi caricaturizando al personaje. Su inclusión en el festival de Cannes también me pareció forzada, como si la hubieran incluido solamente por ser "una de Tarantino".

Brad Pitt en los promocionales. La sola pose ¿no se ve como una actitud soy-muy-malo-aunque-parezca-niño-bueno? Por eso no tenía muchas ganas de verla.

Todo cambio cuando el propio Tarantino vino a México a promocionar su película. Una de las cosas que mencionó es que se podría considerar propaganda, propaganda anti-nazi; esto redefinió completamente mi punto de vista: considero a la propaganda y la publicidad algo muy tendencioso, muy básico, infantil, que trata de manipular a los espectadores a un nivel primitivo, elemental, emocional. Es muy emocionante tan sólo pensar que Tarantino utilizó todo esto adaptándolo a su estilo. Iba a ser muy (pero MUY) interesante ver el resultado de los jueguitos tarantinescos.

Hasta que llegó Quentin Tarantino y nos explico a nosotros, bola de humanos de poca fe, de qué lado masca la iguana.

Y sí. Sí fue muy interesante. Sí se justificaba mi emoción. Sí fue un espactáculo total y absolutamente tarantinesco.
La película se promociona como de guerra porque está ambientada en la 2a guerra mundial, todos los personajes y la trama corresponden a esa época, aún así, esto no es totalmente atinado porque no tiene acciones bélicas y está más cerca del género dramático y de intriga que del género bélico. Más que acción, la trama se basa en el intercambio de información tcc (también conocido como) diálogos. Al igual que éstos, las situaciones y ambientación son totalmente tarantinescos, el estilo de la película está basado en los spaghetti westerns y en el cine bélico italiano de la década de 1960 (conocido como "macaroni combat"). De hecho, el título se basa en el título de una película macaroni combat "The Inglorious Bastards" (Enzo Castellari, Itlaia, 1978), los errores de deletreo "Inglourious Basterds" son a propósito y Quentin Tarantino ha dicho que esa es la manera tarantinesca de deletrearlo.

Como mencionaba, la película, más que de acción, se inclina más por el cine negro y de ucronía.
Cine negro: Uno o más fracasados, sicópatas y/o antihéroes hacen todo su esfuerzo por alcanzar un objetivo. El medio de conseguirlo incluye violencia, tanto física, moral, intelectual y sentimental y a veces mueren en aras de conseguir su objetivo (jamás se preguntan si su objetivo en realidad vale su vida o si tienen alguna otra opción de cumplir su meta).
Ucronía: Historia alternativa. Los famosos escenarios Que-Pasaría-Si (What-If).

La trama, en forma sinóptica, es bastante sencilla: en 1941 se forma en Estados Unidos una unidad de combate llamada "Basterds" con el único objetivo de matar nazis como una forma de venganza judía y para sembrar terror entre los alemanes como una forma de allanar terreno ante los próximos aterrizajes en Normandía.
En París, mientras tanto, el propio Joseph Goebbels, ministro de propaganda nazi, planea el estreno de una película de propaganda llamada "Stolz der Nation", Fredrick Zoller, el héroe y protagonista del film, convence a Goebbels de estrenar la película en el cinema de Emilienne Mimieux (nueva identidad de Shoshanna Dreyfus, judía fugitiva de la carnicería nazi).
Como resultado de esta decisión, todo el estado mayor nazi (Hitler incluido) va a reunirse en el pequeño cine, dando la oportunidad de venganza a Shoshanna y llamando la atención de los británicos que forman una alianza con los basterds gracias a los servicios de la agente doble Bridget von Hammersmark.

Tarantino finaliza su fantasía propagandística matando a Hitler y a todo su estado mayor gracias al incendio que Shoshanna provoca en su propio cine (ataque que le cuesta la vida), a las bombas plantadas por los basterds y al propio ataque de dos de ellos.
Al final, Tarantino muestra una pequeña reflexión a través de unas cuantas escenas: el ataque fue un éxito gracias al Standartenfürer Hans Landa (alias "El Caza-Judíos"), así que éste hace arreglos para rendirse a los americanos, que le perdonen sus crímenes de guerra y pueda vivir retirado y seguro; pero el teniente Aldo Reine (el líder de los basterds) le marca una esvástica en la frente con un cuchillo de monte.



Según la trama, Hans Landa (personaje basado en el tristemente célebre Reinhard Heydrich, jefe de la Gestapo nazi, inteligentemente cruel e inhumano, hasta los propios nazis le tenían miedo) es responsable directo de la muerte de miles de judíos y responsable del terror en Francia, y al final piensa retirerse en paz con todos sus crímenes de guerra perdonados y olvidados. Aldo Reine no lo mata ni tortura por sus crímenes, simplemente le hace una marca permanente. La pregunta obvia es: ¿parece justo? Y la respuesta obvia es sí.
Después de todo los crímenes de guerra de Landa fueron tan horribles y de consecuencias tan funestas que una marca corporal está más que justificada, sobre todo cuando uno piensa que los peores pecados de la humanidad es el olvidar su propios pecados o (lo peor de lo peor) creer que nunca se cometió tal pecado.
Pero hay una respuesta que no es obvia: no es si lo debería marcar o no; es que eso NUNCA debió haber sucedido. En mi post "Hitler y la teoría de las manzanas podridas" de mi otro blog "Entre la Maldición y las Estrellas" expongo mi posición acerca de que el encumbramiento de Hitler y anormalidades humanas como él depende de las fuerzas socio-económicas imperantes en ese momento; si toda la población alemana en ese tiempo no hubiera estado tan desesperanzada e ignorante, tan necesitada de ánimo al grado de atacarse ellos mismos, no hubieran aceptado el liderazgo de un fanático como Hitler.

Actualmente toda la humanidad compartimos el punto de vista de que el holocausto jamás debe repetirse, pero cerramos los ojos ante el holocausto que están haciendo los israelíes entre los palestinos, volteamos a otro lado cuando los estadounidenses culpan de terrorista a cualquiera que les caiga mal y les avientan bombas, tanques, aviones, barcos y todo lo que tienen a pueblos que ni la deben ni la temen. Hacemos como que la virgen nos habla ante las atrocidades de China, México, Colombia y muchos países africanos contra sus etnias minoritarias. Todo esto no se evita con guerras ni revoluciones, no sirven protestas ni manifestaciones, lo único que necesitamos es conocimiento, información, pensamiento, sabiduría y tener un criterio abierto.

Me llamaron mucho la atención dos puntos acerca de esta película: me he encontrado gente que piensa que Tarantino es un genio solamente porque todos lo dicen, y luego ven esta película y quedan decepcionados. Me pregunto si la causa no será porque ya están tan educados con hollywood y su comercialización que cualquier cosa que no entre en ese patrón les causa extrañeza y decepción. Realmente no sé, solamente me lo pregunto.
El otro punto es el manejo de la fantasía desde la perspectiva de Tarantino, es decir, todos sabemos que tanto Hitler como todos los nazis principales no murieron así (de hecho, Hitler solamente estuvo en París una vez, cuando los nazis recién habían conquistado Francia, en 1941). La película muestra una fantasía tarantinesca, como lo mencionaba yo al inicio del post, totalmente infantil, primitiva, básica, que apela más a nuestras emociones y preconcepciones del bien y el mal que a nuestra razón o juicio. Y no por esto es malo o inferior, en lo personal no soy muy fanático del estilo Tarantino y sigo considerando que la obra maestra de Quentin Tarantino es "Pulp Fiction" (Tiempos Violentos le pusieron en México), pero la considero una película MUY buena y que invita a reflexión.

Este tipo de fantasía se llama ucronía y raya ya en la ciencia ficción. Siendo un tema por demás amplio e interesante lo voy a tratar en otro post más..., estee..., cienciaficcioñero.



Tarantinesco inge y los basterdos malditos

El Imaginario del Doctor Parnassus

FICHA TÉCNICA

Título: El imaginario del doctor Parnassus
Título original: The imaginarium of Doctor Parnassus
Dirección: Terry Gilliam
País: Francia, Canadá, Reino Unido
Año: 2009
Fecha de estreno: 23/10/2009
Duración: 122 min.
Género: Aventuras, Intriga, Fantástico
Reparto: Johnny Depp, Heath Ledger, Jude Law, Colin Farrell, Christopher Plummer, Tom Waits, Lily Cole, Verne Troyer, Cassandra Sawtell, Carrie Genzel
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: Grosvenor Park Productions, Davis-Films, Infinity Features Entertainment, Parnassus Productions, Poo Poo Pictures

SINOPSIS

El doctor Parnassus (Christopher Plummer) tiene el valioso don de desarrollar la imaginación de otras personas. Ese es el secreto del éxito de su función, que lleva a cabo con la ayuda del sarcástico Percy (Verne Troyer) y el versátil Anton (Andrew Garfield).

Sin embargo, la magia de Parnassus está a punto de volverse en su contra. El doctor lleva años apostando con el diablo, Mr. Nick (Tom Waits) y ha llegado a jugarse la posesión de su hija Valentina (Lily Cole), cuando cumpla 16 años. Ajena a todo ello, Valentina se enamora del forastero Tony (Heath Ledger), mientras su padre busca una solución para no perderla.

CRÍTICA

Hay directores que pueden tener películas mejores o peores (porque eso les sucede a todos) pero que tienen un estilo visual claramente identificable en todas sus obras, que es además lo que las dota de un sello personal que tiene tanto acérrimos fans como claros detractores. Ese podría ser el caso de Tim Burton o del que ahora nos ocupa, Terry Gilliam.

El ex-miembro de los Monty Python nos presenta además aqui un aliciente dentro de su accidentada carrera tras las cámaras (recordemos los problemas que tuvo para rodar su versión de Don Quijote, que ahora ha vuelto a emprender). Me estoy refiriendo al último e inacabado trabajo de Heath Ledger, que murió durante el rodaje del film y que es sustituido en varias escenas por sus compañeros y amigos Johnny Depp, Colin Farrell y Jude Law. No olvidemos que el citado director y el fenecido actor ya habían trabajado juntos en El secreto de los Hermanos Grimm en 2005.

Os preguntareis cual es el resultado de El imaginario del Doctor Parnassus y desde mi punto de vista el mismo es correcto y entretenido, pero en ocasiones demasiado abigarrado, concediendo más importancia a la imagen que a la historia (como le pasó a la reciente Número 9). Y es que esta no deja de ser en el fondo una versión moderna de un cuento de hadas, donde el inmortal Parnassus (el bien) se enfrentará al Diablo (el mal) para ver quien consigue más almas. En el grupo del primero estará el típico truhan con mucha labia, encarnado por el fenecido Ledger en lo que sería el mundo real y por Depp, Law y Farrell en los diferentes mundos de fantasia a los que transporta el Imaginario del título. Junto a ellos la hija de Parnassus representaría ser la princesa del cuento, mientras que su otro pretendiente o el enano actuarian como los típicos "secundarios simpáticos".

El exceso de fantasia del que hace gala el film puede ser uno de sus handicaps, ya que con el mismo Gilliam se recrea hasta límites insospechados, sin conseguir el equilibrio que tuvo en 12 monos y El rey pescador, sus films más logrados (al menos para un humilde servidor) dentro de su filmografía como director. Eso no priva para escenas realmente preciosas y bucólicas en esos mundos imaginados, dándoles la textura y la tangibilidad propia de los sueños (para diferenciarlos del mundo real, más oscuro y sucio) pero al mismo tiempo, y sobretodo en el que al final personifica Colin Farrell, la historia adquiere una inconsistencia sólo explicable si se decantaron por ese final al no poder echar mano del fallecido Ledger para un epílogo en otro sentido.

Pese a ello El imaginario del Doctor Parnassus no decepcionará a los fans de Gilliam ya que su estilo visual, tal y como he citado antes, luce aqui en todo su esplendor. Pero su ritmo descompensado y la fragilidad de una historia que en según que momentos chirria son los que le dan una valoración inferior a lo esperado. En cuanto al difunto Ledger citar que aqui deja entrever el buen actor que podría haber sido, mientras que sus amigos Depp, Law y Farrell se ciñen a meras presencias secundarias aunque correctas en todas sus apariciones.

LO MEJOR: Ver el trabajo póstumo de Heath Ledger, disfrutar de una nueva obra del personalísimo Terry Gilliam y en definitiva maravillarse con la magnífica calidad visual del film, especialmente en los mundos fantásticos del Imaginario del título.

LO PEOR: Lo descompensado del conjunto, especialmente notable en un ritmo desigual a lo largo de sus 122 minutos (que se podian haber reducido en ciertas reiteraciones argumentales). Y el poster español (que encabeza esta crítica), mucho menos llamativo que otros más destacados como el que teneis unas líneas más abajo.

Los desmatrixados I

La película "The Matrix" tuvo tal éxito que generó toda una oleada de productos derivados (creo que técnicamente está bien llamarlos "productos": sin identidad ni personalidad que los represente, totalmente anónimos y perdidos en el mar de información de este siglo XXI): -Dos secuelas (Matrix Reloaded y Matrix Revolutions). -Nueve cortos animados basados en la estética japonesa del animé (Animatrix). -Tres series de cómics y relatos cortos. -Tres videojuegos (dos de ellos disponibles como programas para PC y consolas, Enter the Matrix y Path of Neo y un juego disponible en internet como MMORPG -Massively Multiplayer Online Role-Playing Game, juego de Rol Enlínea Masivamente Multijugador- The Matrix Online). Pero lo que más le dio en la matrix a "The Matrix" fueron las secuelas cinematográficas: The Matrix Reloaded. La primera secuela siguió la técnica de "más de lo mismo", se basa totalmente en los mismos personajes, las mismas situaciones y hasta las mismas coreografías de acción y efectos especiales. Todos los elementos varían un poquito (se presentan nuevos personajes como el odioso Merovingio y la apantallante Perséfone -que a pesar de los atributos físicos de Mónica Belluci no logra salvar la película-, amén del agente Smith -también recargado ahora como virus o "programa autónomo").

Perséfone y Merovingio.

Por el lado de los efectos especiales es de notar la aparición de los gemelos albinos y la escena de la autopista, bastante impresionantes. Los gemelos albinos y la escena de la autopista. Junto a Perséfone (Mónica Belucci) apenas logran que Matrix Reloaded sea una película palomera. A pesar de lo impresionante de sus efectos visuaes y coreografías de kung-fu, la película se hunde debido a la falta de imaginación de la trama. En general la trama es más de lo mismo: los mismos personajes, las mismas naves, el mismo objetivo (destruir la Matrix y liberar a los humanos). Más de lo mismo; solamente que mejor y aumentado, aparte de un par de cosillas que se muestran para picar el interés: las máquinas ya localizaron el sitio físico donde está Zión y se juntan en grandes grupos para atacar y se muestra gran parte de Zión. En los videos "Regreso a la Fuente" que publiqué en mi post de "Matrix", los filósofos argumentan la trama de "Matrix Reloaded" y la defienden desde el punto de vista filosófico. Solamente que se les olvida que desde el punto de vista filosófico es más importante resolver y evitar incongruencias lógicas y analizar nudos morales. La incongruencia lógica más fuerte presentada durante la película se muestra casi al principio, cuando se le anuncia a la población que viene un ataque de las máquinas. Morpheus da un discurso y después todos se lanzan al reventón en un rave tecno-tribal y sexoso. ¿No es un poco ilógico? Se supone que el punto principal que nos separa a los humanos de las máquinas es que nosotros tenemos creatividad, imaginación, capacidad de analizar eventos y escenarios todavía inexistentes. Sin eso, somos igual que las máquinas: hacemos cosas, seguimos objetivos y aprendemos de nuestros errores, solamente que las máquinas pueden seguir un objetivo sin importar su propia existencia, pueden hacer cosas más rápido y mucho mejor que nosotros y aprenden de sus errores mil veces más rápido (y mucho mejor, si lo comparamos con algunos "humanos"). Aparte en la primera parte Morpheus dejó claro que mucha gente depende tanto del mundo simulado de la Matrix que no podrían vivir fuera de ella. Los de Zión piensan defenderse muy heróicamente tratando de detener a las máquinas y destruir su mundo simulado; ¿y los miles de millones de humanos que dependen de la Matrix? ¿Los van a dejar a su suerte?, desde un punto de vista filosófico es mejor abordar un punto de vista de imaginación y planeación que seguir puntos de vista esotéricos y new age. Aparte de todo esto, también desde el punto de vista filosófico, hay que tomar en cuenta lo que dijo Cypher como justificación de su traición en la primera parte: "hago lo que me dicen, como este engrudo protéico, visto harapos y arriesgo mi vida pudiendo vivir una vida normal" y cuando está en la Matrix: "la ignorancia es una bendición". Si "Matrix Reloaded"deveras siguiera un punto de vista filosófico, ¿no debería haberse enfocado a resolver estos puntos (explicar fuerte y claro porqué Cypher estuvo equivocado) y dudas morales? ¿O debemos tomar el camino moralino de "personajes buenos" y "traidores malos" y el punto de vista de "si ganan los buenos todo va a ser bueno, bonito y barato"? Una trama hueca y complicada, los mismos personajes en nuevas aventuras acerca de la misma temática: luchar contra la Matrix. Más de lo mismo (solamente que más espectacular). No es de extrañar que se considere el primer golpe que empezó a derrumbar el prestigio establecido por la primera película.

Matrix Reloaded. Sí, más personajes y más acción, pero...

Matricial inge y los recargados (me recargo en la pared) malditos.

Meshiko-Tenochtitlan 22.10.09 

------- TRASMISION INTERRUMPIDA ---------------

Addenum: en 2018 subieron un video de análisis para eplicar porqué la secuelas de "The Matrix" son tan malas (en inglés, desafortunadamente):

La Carretera

El año 2006 apareció bajo el título "The Road" ésta novela del respetado septuagenario autor Cormac McCarthy. Hablaré de este libro porque hace poco me lo devolvieron y recordé la buena impresión que me llevé en su lectura.

Yo me la encontré a inicios de este año, un día soleado de verano, en el que salí con mi hijo a una feria de libros con la intención de comprarle a él algún cómic (le compré dos de Superman, una dibujada por Bogdanove y otra por Grumett), yo miré si algo me tentaba en mi paseo vi "La carretera", de la que tenía buenos comentarios, y me la compré. Los dos estábamos interesados en llegar a casa para leer nuestras adquisiciones.

Me dejó esa sensación de vacío por dejar de saber de personajes con la que me encariñé y esa envidia por encontrarme con una prosa certera y buena. Esa sensación que dejan los buenos narradores.

La historia de "La Carretera" nos narra lo que ocurre a un padre y su hijo en su ruta nómada escapando de la muerte en un mundo post-apocaliptico con los peligros y amenazas que conlleva la falta de recursos y el nuevo orden anárquico. O mueren de hambre, por la naturaleza o por el ataque de otros supervivientes. Para escapar de la crudeza del invierno se dirigen a la costa en busca del calor y para poder ver el mar. En un carro de supermercado llevan sus escasas posesiones.

No sabemos que pasó exactamente con el mundo, se habla en momentos de incendios por lo que pensamos que el mundo está así luego de una gran guerra. No se habla mucho de lo que pasó y el padre le cuenta historias idílicas de su propia infancia para dejar la llama de la esperanza encendida en el muchacho, mientras caminan por territorios devastados y cubiertos de cenizas, bajo continuos días grises.

La narración es lúgubre, los diálogos lacónicos e hirientes. El relato está armado a través de pequeños fragmentos que le dan fluidez a la historia y esa prosa oscura plagada de descripciones de un mundo de pesadilla.

¿Qué es lo que mueve a los personajes? "¿Cuál es nuestro objetivo?", es lo que pregunta el hijo cuando sus ojos de niño han visto más de lo que debían, cuando ya ha visto el atisbo de la muerte y sabe que está pisándole los talones. Sobrevivir es la respuesta lógica, pero en ese hábitat hostil la siguiente pregunta es ¿Para qué?. Es un mundo tan difícil que el niño sabe que si algo le pasa a su padre el debe eliminarse con la pistola que llevan.

La historia me resultó emotiva y emocionante, fue demasiado fácil simpatizar con los personajes. Un hombre que quiere que su hijo sobreviva, y ese es su único objetivo y lo único que lo mantiene a él vivo es de seguro lo que todo padre quiere.

Es una lectura muy recomendable.

Hace poco buscando información en Internet sobre McCarthy me encuentro con que el libro ya tiene una película a estrenarse el próximo mes, la dirige John Hillcoat y protagoniza Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee.-

Un gran chico de Nick Hornby

FICHA TÉCNICA

Título: Un gran chico
Título original: About a boy
Editorial: Anagrama
Rústica, 360 páginas

SINOPSIS

Will tiene treinta y seis años y no necesita trabajar porque su padre compuso una cursi canción navideña que cada año da miles de libras en derechos a su descendiente. Es guapo, muy enrollado, lo sabe todo sobre la ropa que hay que llevar y vive en un piso fantástico, sin juguetes dispersos por el suelo. Porque nuestro héroe es un soltero recalcitrante. Hasta que un día conoce a Angie, una chica muy guapa pero también divorciada con hijos, y Will se la liga. Ella pone punto final a la historia al cabo de unas semanas y entonces Will se da cuenta de que las mujeres solas con hijos son una inagotable cantera de polvos estupendos. Se inventa un hijo propio, y comienza a seducir a las madres, pero también se hará amigo de uno de los hijos, el desamparado Marcus, que a los doce años parece mucho más viejo que el treintañero Will.

RESEÑA

Gracias a la reciente lectura que he realizado del libro El lector me enteré que dentro de la misma editorial habian sacado la presente obra, que fue en la que se basó el film Un niño grande del año 2002. La citada película, protagonizada por Hugh Grant, Toni Collete y Rachel Weisz, fue para mi toda una sorpresa, encontrándome con un argumento simpático y divertido, que lamentablemente no obtuvo el éxito merecido al pensar muchos que era la típica película con Hugh Grant (que en parte si, pero tiene los suficientes elementos para salirse fuera de la tónica) pero principalmente por el título español de Un niño grande, que aunque parezca lo mismo que Un gran chico (título español de la novela)... pues como que no lo es (el título original recordemos que es About a boy).

Resulta curioso que me haya decidido por leer la novela más de un lustro después de haber visto el film, pero para mi fue por aquel entonces un soplo de aire fresco en comedias que eran más de lo mismo (todo puede ser que repitiera ahora el visionado del film y perdiese al tener reciente la lectura de la obra en que está basada). De todas maneras me hace gracia el descubrimiento que he hecho de la obra de Nick Hornby, porque de este autor también es Alta fidelidad, que aparte de novela también fue un film del 2000 a cargo de Stephen Frears como director y con John Cusack y Jack Black. El citado título tiene unas grandes referencias, pero pese a ello tengo que reconocer que aún no lo he visto (ni me he leido, por supuesto, la novela en la que está basado).

Lo más llamativo de esta historia es probablemente el hecho de lo identificados que nos podemos sentir todos con los personajes: por un lado con Marcus, el joven protagonista (de edad, tiene 12 años) que se convierte sin él buscárselo en el típico chaval que recibe todo tipo de abusos y cachondeos de sus compañeros de colegio (el típico freaky o nerd al estilo de Peter Parker (alter-ego de Spider-Man)... antes de que le picara la araña radioactiva). El pobre chaval pone su mejor voluntad en vivir cada día pero sus problemas no sólo en el colegio sino también en casa (con una madre digamos "excentrica") le llevan a buscar afanosamente la compañía de alguien para no sentirse tan solo. Su vida cambiará cuando diversos derroteros del destino le lleven a conocer a Will, el otro joven protagonista (aunque este de espíritu, ya que tiene 36 años) que sufre un claro complejo de Peter Pan que le impide madurar (y con la suerte de poder vivir de las rentas de los derechos de autor de un popular villancico, cosa que no le hace después de todo muy feliz).

Los lazos de amistad que uniran a estos dos (en principio) personajes tan dispares (junto con todos los secundarios que giran por sus respectivas vidas) está articulado en una historia narrada con pulso y brio, donde con claras notas humorísticas e irónicas el autor realiza una narrativa envolvente y divertida que hacen de la lectura de esta obra un placer como hacía tiempo que no experimentaba en este tipo de género.

Con el buen sabor de boca que me deja la novela (al igual del que me dejó en su día la película, pese a que creo recordar claras diferencias sobretodo en el tramo final, mucho más coherente en el libro y acomodaticio en el film) no será probablemente esta la última novela que me lea de este autor (varias más he visto en el catálogo de las bibliotecas de donde vivo).

LO MEJOR: Su narrativa, que en un principio puede parecer superficial pero que es lo suficientemente incisiva como para que se convierta en una lectura amena y divertida, aparte de unos personajes que si bien pueden parecer estereotipados, son perfecto ejemplo de situaciones y/o modos de vida facilmente reconocibles.

LO PEOR: Ciertas situaciones que viven los personajes (así como los aspectos de algunos de ellos) se pueden considerar un poco al límite, si bien no deja de ser un recurso del autor para mostrar las debilidades de los mismos.

Número 9

FICHA TÉCNICA

Título: Número 9
Título original: 9
Dirección: Shane Acker
País: Canadá, Luxemburgo
Año: 2009
Fecha de estreno: 01/01/2010
Duración: 76 min.
Género: Animación, Aventuras, Ciencia ficción, Fantástico
Reparto: Elijah Wood, John C. Reilly, Jennifer Connelly, Crispin Glover, Martin Landau, Christopher Plummer, Fred Tatasciore, Helen Wilson
Guión: Pamela Pettler
Distribuidora: Universal International Pictures
Productora: Focus Features, Starz Animation

SINOPSIS

Nos encontramos en un mundo paralelo donde la humanidad no tiene cabida. Un grupo de muñecos de trapo vive en esta dimensión post apocalíptica y serán los encargados de restaurar el mundo tal y como era. 9 (Elijah Wood) es el responsable de la misión; 1 (Christopher Plummer) es un veterano de guerra; 2 (Martin Landau) es un anciano inventor; 5 (John C. Reilly) es un talentoso mecánico; 6 (Crispin Glover) es un artista visionario y 7 (Jennifer Connelly), un valiente guerrero.

En su misión encontrarán multitud de criaturas, las cuales podrían ser las responsables de la desaparición y destrucción de la humanidad.

CRÍTICA

La mayor curiosidad de esta película era la gracia de que titulándose 9 se hubiese estrenado como lo hizo en la cartelera americana, el 9 de septiembre del 2009 (o sea 9/9/09) en un giro parecido al que hace unos años tuvimos con el innecesario remake de La profecía, estrenado el 6/6/06 (por aquello de que 666 es el número de La Bestia, el número del Anticristo). Esto no se ha producido, ya que la película de Shane Acker no llegará a España hasta el 1 de enero del 2010 (casi cuatro meses después de su entrada en las salas de cine americanas).

Otro de los detalles llamativos de 9 antes de su estreno era su estética claramente postapocalíptica y con pocas (por no decir ninguna) concesiones al cine más infantil. ¿Podría darse el caso de que fuera el film de animación del año, y una clara apuesta por el espectador adulto? La respuesta a esta pregunta sería probablemente tan ambigua como en si es la película, lo cual la lleva a un notable apartado visual que se complementa con un unicamente correcto guión.

El problema puede ser que venga por el hecho de que Número 9 no deja de ser la versión ampliada del cortometraje del mismo título por el que su director Shane Acker fue nominado al Oscar al mejor corto de animación en 2005. Y claro, de algo tienes que llenar el argumento para ampliar a más de una hora (76 minutos para ser exactos) lo que en origen eran poco menos de 10 (y no siempre funciona lo de hacer largo un corto). Recientemente hemos tenido el ejemplo de District 9 que también fue en origen un cortometraje para convertirse luego en largo, conservando en esencia los valores de la idea original, algo que también se puede decir de este 9 (o Número 9 que es el título que tendrá en España). Pero, ¿por qué no acaba de ser la gran película que algunos esperábamos? Probablemente porque una vez más las expectativas previas hacen mucho daño antes del visionado final de un film.

Que los productores de esta película sean Tim Burton y Timur Bekmambetov (este último director de Wanted entre otras) y la estética visual que le ví yo al film en las imágenes y trailers previos me hicieron esperar algo A LO GRANDE, o sea, un nuevo clásico como fue Pesadilla antes de Navidad o (incluso en menor medida) La Novia Cadáver (en el primer caso sobretodo porque aunque el film viniera firmado por Henry Selick, sin duda alguna era la particular visión de Tim Burton la que desprendían todos y cada uno de sus fotogramas). Sin por ello desmerecer el resultado final de Número 9, eso no ha ocurrido en este caso, ya que en los ejemplos previos se aunaban una animación portentosa y un guión realmente consistente mientras que aquí es sólo el apartado visual el que resalta, ya que el argumental resulta bastante simple y tampoco tan adulto como uno podía esperar.

El ritmo del film no da pie al aburrimiento, ya que tiene bastantes escenas de acción todas bien orquestadas, pero el problema puede venir cuando la misma se detiene y los personajes tienen que transmitir algo al espectador, cosa que logran pero muy por los pelos (apenas nos los esbozan con dos o tres características definitorias, siendo por lo demás muy difícil discernir cual es cual si no fuera por el número que les da nombre) Asimismo no se consigue congeniar con su causa desde el mismo momento en que los problemas que tendrán a lo largo del argumento los provoca un desliz de uno de ellos (¡¿para que toca las cosas si no entiende?!), pero de por si ninguno de los personajes (ni tan siquiera el protagonista) consigue simpatizar con el público hasta el punto de que nos importe o nos deje de importar lo que les ocurre, lo cual provoca cierta indiferencia ante las diversas muertes que se suceden por su historia (quizás lo más sorprendente del argumento, ya que no muchas películas suelen hablar de la muerte teniendo en cuenta que su público potencial pueden ser niños).

Por eso mismo que, en resumidas cuentas, Número 9 resulta un film de animación realmente notable en su apartado visual, que se aleja de los ambientes bucólicos típicos de estas películas más o menos infantiles para acercarnos a lugares más sórdidos y oscuros. Pero lamentablemente eso no se ve correspondido con un guión a la misma altura, ya que si bien no aburre no consigue empatizar con el espectador como lo han hecho otras obras también de animación y también arriesgadas como fueron Pesadilla antes de Navidad o (dentro de la vertiente postapocalíptica) Wall-E.

LO MEJOR: Visualmente es toda una delicia. Y su historia tiene algún que otro apunte interesante como el origen de la guerra entre hombres y máquinas pero ambientada en un mundo ¿pasado? lo cual puede recordar a una mezcla entre Terminator y Sky Captain y el mundo del mañana. Lástima que por esa vertiente no se expliquen más detalles.

LO PEOR: El guión no está a la altura de sus imágenes, ya que ninguno de los muñecos protagonistas consigue la empatia del espectador, algo imprescindible en el cine de animación si se pretende que el resultado final permanezca imborrable en la mente del que lo vea.

AGORA de Alejandro Amenabar

FICHA TÉCNICA

Título: Ágora
Título original: Agora
Dirección: Alejandro Amenábar
País: Estados Unidos, España
Año: 2009
Fecha de estreno: 09/10/2009
Duración: 126 min.
Género: Drama, Romance, Histórico, Aventuras
Calificación: No recomendada para menores de 13 años
Reparto: Rachel Weisz, Max Minghella, Oscar Isaac, Ashraf Barhom, Michael Lonsdale, Rupert Evans, Richard Durden, Sami Samir, Manuel Cauchi, Homayoun Ershadi
Distribuidora: 20th Century Fox
Productora: Himenóptero, Telecinco, Telecinco Cinema, Cinebiss, Mod Producciones

SINOPSIS

Siglo IV. Egipto bajo el Imperio Romano. Las violentas revueltas religiosas en las calles de Alejandría alcanzan a su legendaria Biblioteca. Atrapada tras sus muros, la brillante astrónoma Hipatia (Rachel Weisz) lucha por salvar la sabiduría del Mundo Antiguo con la ayuda de sus discípulos. Entre ellos, los dos hombres que se disputan su corazón: Orestes (Oscar Isaac) y el joven esclavo Davo (Max Minghella), que se debate entre el amor que le profesa en secreto y la libertad que podría alcanzar uniéndose al imparable ascenso de los cristianos.

CRÍTICA

Las grandes películas, ¿nacen o se hacen? Pues desde mi punto de vista sería más lo primero que lo segundo, porque a veces una gran obra se esconde en un pequeño film (ahi citaría yo ejemplos como District 9 o Juno), mientras que a lo mejor una historia con ínfulas de grandeza acaba no siendo la obra maestra que parece buscar ser de manera desesperada (como le pasó a, por ejemplo, Cold Mountain). Es en este segundo grupo donde estaría incluida Agora, ya que es tal su empeño para que se la considere una GRAN PELÍCULA (así, en mayúsculas) que se queda a medio camino en todos sus objetivos.

En lo personal para mi Alejandro Amenabar es, ante todo, un gran director, como han probado sus films previos (Tesis, Abre los ojos, Los otros y Mar adentro). Esto no es contradictorio con mi comentario inicial sobre Agora, porque en todo momento el film demuestra que tras las cámaras hay alguien capaz de coordinar la superproducción que estamos viendo ante nosotros. Porque otro de los aspectos en los que el film triunfa es en su apartado visual, no sólo en una ambientación y vestuario realmente notables, sino en la forma en que está rodada la película, con escenas tan conseguidas como cuando la imagen se "vuelca" tras la entrada de los bárbaros cristianos a la Biblioteca de Alejandria. Lamentablemente el guión no acompaña al apartado visual del film.

Durante las poco más de dos horas de duración la película intenta ser un peplum, un film histórico, un drama, una historia de amor prohibido, una parábola de nuestro tiempo, una crítica social y una historia didáctica, pero al no decantarse por ninguna de sus opciones (y mira que no son pocas las que plantea) la historia nunca nos llega a impactar, emocionar o hacernos sentir nada más que una frialdad ante los acontecimientos que se van sucediendo ante nuestros ojos. Parte del resultado final también es achacable a los actores, y es que con la excepción de Rachel Weisz (simplemente correcta) las interpretaciones se quedan bastante por debajo de lo esperado (parecen más propias de una miniserie televisiva que de una superproducción como esta), algo especialmente notable en el caso de los dos pretendientes que tiene la protagonista a lo largo de la historia (que en algunos momenos rozan el ridículo en sus formas de actuar).

En resumidas cuentas, se puede decir que Agora es una apuesta arriesgada por parte de Amenabar para no quedar encasillado en los géneros de sus primeros trabajos (así como un título llamativo dentro de la filmografía española del año) pero que intenta tan desesperadamente ser una GRAN película que al final no lo consigue debido a tocar muchos géneros pero no decantarse por ninguno.

LO MEJOR: El aspecto visual, tanto en ambientación como en vestuario (algo, de todas maneras, que ya se presupone en un film de estas características), así como la labor de Amenabar dirigiendo, cosa que demuestra saber hacer.

LO PEOR: Que plantea muchos géneros sin decantarse por ninguno, no conectando con el espectador ni consiguiendo su empatia.

Viajes exitosos en el tiempo

Viajar en el tiempo puede ser la solución que necesito para ponerme al día en las columnas que tenía pensado hacer y que (puedo poner un montón de excusas) no he hecho. Pero la ciencia (ficción) nos ha enseñado que se requiere de maquinaria especial que supere la velocidad de la luz o que una fuerza externa traslade en el tiempo nuestra conciencia.

Pienso en las historias del cine o de las series de tv que han explotado esas ideas, inmediatamente digo "Volver al Futuro" (Back to the future), que incluía maquinaría o en "En algún lugar del tiempo" (Somewhere in the past), que se lograba con autohipnosis; en la tv tenemos la clásica "El tunel del tiempo" (Time Tunnel) con maquina y una algo reciente "Odissey 5" (por lo reciente fue conocida por su titulo en english) en la que viajaba la conciencia.

Ejemplos de historias de viajes en el tiempo mostradas en cuentos, cine o tv hay muchos, no solo las que lo tienen como centro si no también por las que las utilizan en determinado momento (esto en los medios de más larga duración como en los cómic o series de tv) lo que hace que para darle originalidad o frescura sea cada vez más difícil o un reto más interesante. Quienes pasaron la prueba, según yo, es la mencionada "Odissey 5" y "Life on Mars".


Odissey 5



Poco puedo decir de "Odissey 5" ya que de ella vi uno que otro episodio, pero puedo recalcar que los que vi los encontré interesantes y muy entretenidos. Al buscar ahora información veo que su creador es Manny Coto quién participó en Star Trek, incluido "Enterprise" (que tenía como ingrediente en su arco argumental "La guerra fría temporal") y trabaja en 24 (que tiene muy buenos complots, siempre).

"Odissey 5" iniciaba cuando los tripulantes de un transbordador espacial ven como se destruye el planeta tierra y justo antes que ellos sean atraídos a la destrucción una entidad extraterrestre se les aparece y les dice que ha viajado de galaxia en galaxia tratando de evitar la destrucción de los mundos por otra entidad a la que llama "Leviathan" y que ahora lo puede evitar porque ellos le ayudarán viajando sus conciencias 5 años al pasado. Oportunidad que les permitirá corregir ciertos hechos de sus vidas o trataran de hacerlo porque algunos se aceleraran y además tendrán otras amenazas que sortear.

Lamentablemente duró una temporada, que por lo que recuerdo planteaba muchas más interrogantes y para ello tiraba toda la carne a la parrilla.

El líder del grupo era Peter Weller (Sí, el de RoboCop), Sebastian Roché, Christopher Gorham, Tamara Craig Thomas y Leslie Silva.


Life on Mars



"Life on Mars" es una entretenida serie producida por la BBC en el año 2006 que duró dos temporadas de ocho episodios cada una. Gracias al cable hemos visto que los ingleses también realizan buenas series y el HBO nos ha entregado "Roma" y ésta serie que en su tiempo vi episodios dispersos, fue cuando supe de su serie hermana "Ashes to Ashes" y las adaptaciones que se le harían que quise retomarla. Con mi pareja vimos las dos temporadas y el aprecio que ella tiene por la serie ha sido el causal de que no se haya arriesgado en ver la versión USA, que yo sí vi algunos pero hablaré al final.

La serie comenzaba mostrándonos el peor día para el Detective Sam Tyler que terminaba con él siendo atropellado. Momentos antes confrontaba en su cabeza la rabia, frustración y tristeza al enterarse que su compañera y ex-novia, por un demasiado reciente quiebre, estaba desaparecida quizá víctima del mismo asesino serial del que ese día se quedaban sin sospechosos. Irónicamente él evadió un posible choque de autos con una arriesgada maniobra, salió del auto, respiró profundamente y escuchó a David Bowie que parecía le cantaba a él desde hace 30 años, con su canción "Life on Mars", diciéndole:

...Pero su amiga no aparece por ningún lado.
Cruza a través de su sueño hundido
hacia el asiento con las mejores vistas.
Y está atada a la pantalla de plata.
Pero la película es triste y aburrida
porque ya la ha vivido diez veces o más...

Sam quiso dejar su mal día atrás cuando es arrollado por otro auto. Despertó 30 años atrás.
Hasta ahí, con los pocos datos que he dado, podriamos pensar que su fuerte es la ciencia ficción pero nada más alejado, lo poco que tiene y que podriamos asociar a ello es el choque cultural en lo demás es una serie policial. El hecho de que Sam quiera solucionar la vida de personas en su estancia en el pasado me recuerda a "Quantum Leap" (que el doblaje en estos lados llamó "Viajeros en el tiempo") donde el doctor Sammuel Beckett entraba en el cuerpo de alguna persona y hacía las correcciones pertinentes esperando que fuera lo último y el siguiente salto lo llevara a casa. Al final de esta serie Dios se manifiesta al Doctor Beckett y le pide seguir saltando.

En "Life on Mars" nos preguntamos con el mismo Sam Tyler ¿Está loco o viajó en el tiempo? Él se lo pregunta en cada episodio y todo parece indicar que está en estado comatoso en el presente mientras presta sus servicios en la policía del Manchester de los 70 y de paso corrige algunos hechos en el pasado. ¿Podrá volver? Es lo otro que nos preguntamos.

Lo atractivo de esta serie policial es su ambientación y sobre todo sus personajes muy bien hechos, la química entre los personajes que genera la presencia de Sam Tyler; Sus distintas personalidades le hacen creer a Sam que son manifestaciones de su subconsciente.

Allí tiene como confidente a una oficial llamada Annie Cartwright, quién tuvo estudios de sicología, solo a ella le cuenta que viene del futuro y ella no le cree. Sus demás compañeros lo ven como raro y piensan que se debe a que en la estación de policía llamada Hyde, de donde creen que viene realizan las cosas así. Su relación con sus compañeros y sobre todo con su jefe Gene Hunt no es para nada buena, ya que estos creen que Sam no los deja hacer bien su trabajo ya que en cada caso que tienen trata de entregar sus conocimientos (del futuro) en el manejo de pruebas o en el trato de testigos en ese mundo donde todo le parece bárbaro. Las miradas de incredulidad que genera nos resultan divertidas.

Tan elogiada fue esta serie que en USA se compraron los guiones e hicieron la adaptación y no fueron los únicos, también lo hicieron en España donde cambiaron el nombre a "La chica de ayer" (nombre de un tema musical de los 70s). El problema de la versión USA es su Piloto que vi como Preair, el que no pasó la prueba y se hizo un nuevo episodio más parecido al de UK y que me dejó con la sensación que no podrían superar a la original. La verdad es que la versión UK hizo tan buenos personajes que las otras versiones son solo imitaciones, entretenidas, pero imitaciones. O por lo menos así lo veo yo.

Incluso lo veo tan así que a "Ashes to Ashes" también le pesa su antecesora. Tiene los mismos ingredientes pero quiere parecer distinta con solo cambiar la época.
Y esperando que revisen la guía del cable (por la original o sus imitaciones) o miren en la internet, incluso en Youtube, y las vean y la pasen bien. Me cuentan.-

Matrix

Cogito, ergo sum (Pienso, por tanto existo) -René Descartes.

The Matrix originalmente fue una película de ciencia-ficción, pero, dado su éxito comercial, se convirtió en toda una marca que abarcó 2 secuelas, una serie de historias animadas (spin-off Animatrix), cómic, un videojuego oficial, juguetes, etc.

The Matrix, escrita y dirigida por Larry y Andy Wachowski, 1999.

La trama y anécdota de la película fueron bastante originales y bien recibidas aunque, obviamente, la gran mayoría de los elementos que conforman la historia y el mundo Matrix se tomaron "prestados" de muchos otros lugares (para citar a Dan O'Bannon, escritor de "Alien", "Yo no le robé Alien a nadie, ¡se los robé a todos!"); desde el refente visual obvio de "Dark City" (Alex Proyas, 1998) a los mundos alternos de los trabajos de Philip K. Dick pasando por los mundos cyberpunk descritos en "Neuromante" de William Gibson y "Ghost in the Shell" de Mamoru Oshii. El ambiente y la historia de "The Matrix" fue desarrollada en base a la estética del animé y manga japonés y del cómic americano -cuenta la leyenda que incluso Grant Morrison, autor americano del cómic "Los Invisibles" está convencido que los hermanos Wachowski plagiaron su obra.

Póster oficial de la pelicula "The Matrix".

Como es una película bastante popular, solamente presentaré una breve sinópsis: Thomas A. Anderson es un programador de computadoras que lleva una doble vida: en sus tiempos libres es un hacker conocido como "Neo", repentinamente su computadora empieza a mostrar mensajes extraños que le mencionan algo llamado "La Matrix"; a partir de la aparición de estos mensajes, Anderson es contactado por una serie de hackers que le quieren explicar lo de "la Matrix" y presentarle al famoso hacker Morpheus, ellos lo llaman según su nick hacker, Neo. Anderson también es contactado por un equipo de agentes que le piden no contactar a Morpheus y delatarlo diciendo que es "un terrorista", los agentes lo llaman por su nombre "matricial", Thomas A. Anderson. Al final, Anderson se contacta con los hackers, decide ser Neo, conocer a Morpheus y desdeñar a los agentes. Ya reunido con todos los demás hackers empieza a descubrir que el mundo real es muy diferente a lo que conocía. Lo que una vez creyó que era real en realidad fue un sueño, un mundo virtual creado por miles de computadoras conectadas directamente a su cerebro y a su sistema nervioso. A partir de este punto, Neo va adentrándose en la forma en que trabajan las máquinas (controlando todo el ambiente, reconfigurándose cuando es necesario, utilizando agentes de software como árbitros o vigilantes para los humanos matriciales) dentro de la matriz y fuera de ella y cómo los últimos humanos libres tratan de combatir a las máquinas y recuperar su vida, su libertad, su realidad. Con todos estos descubrimientos, la película se decanta por la aventura y la acción, aunque los hermanos Wachowski dejaron diversas salpicaduras filosóficas dentro de la trama (como tomar en cuenta que hay personas tan desesperanzadamente dependientes del sistema que ya no pueden liberarse, o la actitud de Neo al tomar acciones que parecerían imposibles porque se esfuerza en hacerlas, no solamente porque le dijeron que es el elegido). En el post de la película-novela "Contacto", menciono que la industria cinematográfica tiene la perspectiva del cine como un entretenimiento hueco y bidimensional, sin pretensiones críticas, políticas, educativas, etc., bueno, un cine sin contenido. Así como la película "Contacto" mostraba un lado filosófico, científico, educativo y matemático, "The Matrix" está fuertemente apoyada en reflexiones filosóficas acerca de lo que es la vida y nuestra realidad (y está desarrollada para ser entretenida y fantástica). Empecemos con el ejemplo de los sueños y la vida real: todos podemos diferenciar perfectamente un sueño de lo que nos pasa en la vida real; recordamos pasajes de nuestros sueños y recordamos episodios que realmente nos pasaron y aunque sean muy semejantes e indiferenciados, podemos clasificarlos e identificarlos perfectamente como cosas que no pasaron y cosas que sí. ¿Cómo hacemos eso? ¿Cómo podemos diferenciar escenas o pensamientos que engañarían a una computadora o -incluso- a un observador externo? Tomemos el ejemplo de un niñ@: cuando son muy pequeños (entre 3 y 5 años) NO pueden diferenciar sus sueños con la realidad. Si sueñan con el coco (Buggyman) o el viejo del costal (Monsterman o algo así) piensan que es un recuerdo de la realidad, no son capaces de clasificarlo como algo que no pasó. Por eso se despiertan aterrados, por eso le tienen miedo a la oscuridad, por eso estan tan plena y sinceramente convencidos en la existencia de monstruos, brujas y demás fauna pesadillesca; pero todo esto va desapareciendo conforme crecen los niños. ¿Por qué? Una respuesta está en el hecho de que mientras van creciendo, va aumentando su experiencia con el mundo real, van aprendiendo y observando cosas, el mecanismo de la realidad; así que llega un punto en que pueden comparar recuerdos que soñaron y recuerdos reales y ya pueden clasificar y diferenciar los recuerdos reales de los soñados (no siempre exitosamente :-D). Esta es la razón de que podamos distinguir los sueños de la realidad: nuestra experiencia con el mundo real. El mundo de los sueños siempre presenta ciertas ilogicidades, cierta falta de continuidad sin importar lo real o vívido que pueda llegar a ser. Ahora supongamos que disponemos de un dispositivo o aparato que genera una realidad virtual perfecta y creíble, cuando usamos ese aparato vemos a un mundo y una experiencia totalmente indistinguible de nuestras experiencias reales. ¿Podríamos aún así distinguir nuestras experiencias virtuales de las reales? Muy probablemente, si las dos realidades son diferentes, nuestra mente tendería a clasificarlas y categorizarlas según nuestros anhelos, conocimientos, experiencia y horizontes culturales. ¿Y si, aparte de poseer el dispositivo de realidad virtual perfecta, usáramos el dispositivo aún antes de nacer? ¿Y si toda nuestra experiencia fuera con el mundo virtual, si nunca tuviésemos oportunidad de experimentar el mundo real? Existe un juego filosófico (disponible sólo en inglés) que trata exactamente estas suposiciones, es llamado "Strange New World" que hace un escenario equivalente al de "Matrix" y luego pregunta: ¿que harías?, ¿cómo responderías? Una de las posibles respuestas es llamada "respuesta del héroe" y consiste en la firme creeencia de que podemos diferenciar la realidad virtual de la realidad -ejem...- real a pesar de la condiciones Matrix. En la película "El Show de Truman" (The Truman Show, 1988, dirigida por Peter Weir), Truman descubre el mundo ficticio donde está viviendo simplemente porque quiere buscar sus límites, de forma similar a los personajes de Matrix: "no sabes que está mal pero lo sientes", de la misma forma que uno podría descubrir los límites del mundo virtual solamente preguntándose ¿qué hay más allá? Mensaje original que induce a Neo a contactar a los hackers, a conocer los secretos de la Matrix. Esta es la premisa principal de Matrix, negarles todo contacto con el mundo real a las personas para que sólo tengan contacto con el mundo virtual y formar así, como menciona Morpheus en la película: "una carcel para la mente". Esta premisa es equivalente a la alegoría de la caverna de Platón tal como la describe en el libro VII de La República: hay cuatro prisioneros en una caverna, y los cuatro han estado presos desde que nacieron. Están encadenados de forma que solamente pueden ver una pared iluminada por una antorcha. Hay hombres que pasan con muchos objetos diferentes en las manos, de forma que en la pared se muestran sus sombras, y ésto es todo lo que pueden ver los prisioneros. Un mundo de sombras. Esa sería toda su realidad. Si liberáramos a uno de ellos, y éste tuviera la oportunidad de ver y experimentar la realidad completa y luego lo recapturáramos y lo regresáramos a su lugar en la caverna, el ex-liberado contaría su experiencia con el mundo real diciendo que lo que se ve en la caverna no son más que sombras y los demás prisioneros se reirían de él y de sus relatos tildándolos de fantasía y ciencia ficción", pero sin congruencia con su realidad. Este es un video doblado al español que explica la alegoría de la cueva, y muchas de las reflexiones y consecuencias que sucita:

 

 

 Los preceptos filosóficos han seguido avanzando estos años, cuestionando la realidad, la validez de nuestra percepción, nuestros límites y cuestionando el hecho de si un mundo simulado es más real que el mundo real. Uno de los filósofos que sostuvo estos puntos de vista fue Jean Baudrillard (1928-2007), el título de uno de sus libros aparece en las primeras escenas de Matrix: "Simulacra and Simulation". Muchos temas filosóficos son aplicables a "The Matrix" y otros no tanto (son aplicables a otros asuntos, por ejemplo, nuestra vida a través de Internet, ¿cómo se compara con nuestra vida real? ¿Es un simulacro? ¿Hiperrealidad? ¿Es un complemento? ¿Es mejor, peor o igual?). Los siguentes videos ("Return to the Source: Philosophy & The Matrix") hablan del papel de la filosofía en la trama Matrix y los paralelismos de la historia con los principales postulados filosóficos, a veces son exagerados, presuntuosos y forzados (hablan como si la trama estuviera basada en la filosofía y el esoterismo. Al igual que muchas obras, toma prestados muchos conceptos pero no es copia de alguno en particular. Están en inglés y sin subtítulos):

 

 

  La estética Matrix. La película también fue un parteaguas mostrando ángulos y tomas cinematográficas más próximas a la estética cómic que a la estética cinematográfica aunque su aporte más significativo fue en la forma de coreografíar las peleas de kung-fu y principalmente por los efectos visuales (principalmente el bullet time, efecto donde los movimientos se ven alentizados, al grado de poder seguir la acción de las balas disparadas), obviamente puso de moda abrigos y lentes oscuros ("el look Matrix"), aunque lo mejor de todo (y lo que más llamó la atención) fue la buena sincronía entre la música usada en la película, los efectos (la acción cinematográfica) y la trama.

 

Bullet time medieval.

La película cierra con una escena callejera y la voz en off de Neo (aquí este recurso está muy bien usado) dando a entender que ya está totalmente consciente de la realidad, despierto del sueño virtual y libre de la Matrix. ¿La reacción del Héroe? ¿Es pura fantasía y ciencia ficción? ¿La filosofía lo hizo cuestionarse su realidad? La filosofía no provee respuestas, sólo preguntas. Nos hace conocer cosas solamente para darnos cuenta que no sabemos lo que debíeramos. PD. No me aguanté las ganas de incluir esta joyita: ¿ si Matrix estuviera basada en Windows XP (en inglés)? 

Matricial inge y los despiertos (y preguntones) malditos.

Meshiko-Tenochtitlan. 08.10.09