martes, 23 de febrero de 2010

Al límite con Mel Gibson

FICHA TÉCNICA

Título: Al límite
Título original: Edge of Darkness
Dirección: Martin Campbell
País: Estados Unidos
Año: 2010
Fecha de estreno: 26/02/2010
Duración: 126 min.
Género: Drama, Thriller
Reparto: Mel Gibson, Ray Winstone, Danny Huston, Shawn Roberts, Peter Hermann, Caterina Scorsone, Frank Grillo, Gbenga Akinnagbe, Jay O. Sanders, Bojana Novakovic
Guión: Andrew Bovell, William Monahan
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures, BBC Films, Icon Productions, GK Films

SINOPSIS

El detective especializado en homicidios Thomas Craven (Mel Gibson) se reencuentra con su hija Emma (Bojana Novakovic) después de un tiempo separados. Pero el mismo día en que Thomas va a buscarla al aeropuerto, Emma es asesinada. En principio todo apunta a que el auténtico objetivo era matar a Thomas. Pero poco a poco se descubre la verdad: Emma era una amenaza para los Estados Unidos y no interesaba que siguiera viviendo. ¿Por qué?

CRÍTICA

Aunque su estatus de estrella continua, la verdad es que hacía ya ocho años que no veíamos a Mel Gibson en una pantalla de cine (fue Señales de M.Night Shayamalan donde ocurrió). Eso si, desde entonces hemos disfrutado de su vertiente como director, con películas tan polémicas o fuera de lo común como La Pasión de Cristo o Apocalypto. Pero ahora ha decidido volver con este thriller dirigido por Martin Campbell, y acompañado en el reparto por actores tan solventes como Ray Winstone o Danny Huston.

Con la horrible traducción española de Al límite (su título original es The edge of darkness) el film me ha resultado sorprendentemente decepcionante, no hasta el punto de suspender pero si para ser una película que teniendo en cuenta su función principal (ante todo entretener) lo hace de manera bastante intermitente, dependiendo de por donde circule la acción del film en ese momento. Y es que lo que en un principio pensaba yo que sería un film de venganzas personales (que, en el fondo, es lo que es) resulta que me he encontrado una variante de Erin Brockovich, donde en lugar de ver a Julia Roberts mostrando escote, nos encontramos a Mel Gibson repartiendo estopa. ¿Cual es entonces el problema?

Al límite es un thriller adulto, en lo que influye tambien la edad de su protagonista, que ya no está para ir pegando saltos por ahi. PERO (y como veis es un gran "pero") la película quiere mezclarme la seriedad de propuestas como Harry Brown (el film de venganzas protagonizado por Michael Caine) con el estilo de una aventura de Punisher, lo cual no tendría problemas si no fuera por lo descompensado de la citada mezcla, que nos da más de lo primero que de lo segundo, provocando graves altibajos en el ritmo de una historia que en algunos momentos no puede esconder su origen televisivo.

Pese a ello no puedo suspender a un film que más o menos sabe mantener un ritmo coherente, y cuyo interés sube muchos enteros en sus (por otro lado) escasas escenas de acción, destacando sin duda la final. Asimismo aunque sea un film al servicio de la estrella protagonista, aqui nos reencontramos con el Mel Gibson más arquetípico en su versión de padre vengador, pero el actor consigue una interpretación creible, ya que sabiendo sus carencias interpretativas, sabe dotar al personaje de los rasgos más característicos y apreciables en un personaje de este estilo (atención a la escena de la muerte de su hija en la ficción, donde el actor demuestra una vertiente dramática muy creible)

LO MEJOR: Mel Gibson, que sabe dotar a su personaje de lo que debe en un film de estas características. Asimismo las escasas escenas de acción, como la que motiva la venganza del protagonista (donde el actor demuestra un dramatismo sobrecogedor) o la del final, en el plan vengativo que (lamentablemente) no tiene gran parte del resto de la película.

LO PEOR: Los films sobre venganzas personales uno ya se imagina por los derroteros que circularán, pero aqui hay cierta descompensación entre el tramo más discursivo y el de acción, provocando en bastantes momentos cierta falta de interés ante lo que circula en pantalla.

Shutter Island de Martin Scorsese

FICHA TÉCNICA

Título: Shutter Island
Título original: Shutter Island
Dirección: Martin Scorsese
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 19/02/2010
Duración: 140 min.
Género: Drama, Thriller, Intriga
Calificación: No recomendada para menores de 18 años
Reparto: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Williams, Max von Sydow, Jackie Earle Haley, Elias Koteas, Patricia Clarkson, Ted Levine
Guión: Laeta Kalogridis
Distribuidora: Vértice Cine
Productora: Paramount Pictures, Phoenix Pictures, Appian Way, Hollywood Gang Productions, Sikelia Productions

SINOPSIS

En el año 1954, el policía estadounidense Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) acude a Shutter Island con una misión especial: investigar la repentina desaparición de una asesina que estaba internada en el hospital de enfermos mentales. La película supone la cuarta colaboración entre Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio.

CRÍTICA

La fructífera relación entre Martin Scorsese como director y Leonardo DiCaprio como actor continua en este film, la cuarta colaboración de ambos en conjunto (las anteriores recordemos que fueron Gangs of New York, El aviador e Infiltrados). En esta ocasión adaptan una novela de Dennis Lehane, autor conocido por el gran público desde que Clint Eastwood adaptara otra obra suya, Mystic River. Y si ya los resultados de la citada película fueron (al menos para un humilde servidor) realmente memorables (de hecho casi me atrevería a decir que Mystic River fue la mejor película de su año de estreno) otro tanto me he encontrado aqui: Shutter Island es una gran obra de todo un gran maestro como Scorsese. Eso si, CASI digna de matricula de honor... pero casi.

En esta ocasión Scorsese demuestra su gran trabajo y experiencia con un film que te atrapa desde sus primeras imágenes, cuando ya todo indica que algo se nos está escondiendo y que el ambiente desprende una falsa normalidad. El misterio y el suspense están muy bien llevados, incluso cuando uno ya empieza a pensar que las cosas van a girar hacia una determinada dirección, por muy improbable que parezca (momento este en que a uno se le puede pasar por la mente algún argumento similar en series como La Dimensión Desconocida). Con un estilo y una estética clásica, que por momentos recuerda al mejor Hitchcock, el gran Scorsese consigue sacar lo mejor de sus actores, y es que no sólo citaría al DiCaprio protagonista (todo un gran actor que ya ha demostrado su valía más allá del éxito que le proporcionó Titanic) sino que también son destacables, en menor o mayor duración, las presencias de Ben Kingsley, Mark Ruffalo, Max Von Sydow y Jackie Earle Haley (actor este último que viéndolo como Rorschach en Watchmen o imaginándoselo como Freddy Kruger nos hace pensar si se especializará en papeles de personas con problemas mentales... ya que ese es su rol en Shutter Island)

¿Que hace grande a una película como esta? Que te atrape, que desde el principio te quedes enganchado hacia la historia que te están contando y de la manera en la que te la están contando. Y sobretodo que provoque interés al espectador por conocer la obra que hay detrás (la novela en este caso) y que ha sido adaptada en ese formato. Scorsese lo sabe y lo logra, dando toda una sabia lección de dirección (incluidos sus actores) en un film que, pese a todo, es CASI excelente. Pero lamentablemente tal nota máxima no la consigue al pecar de lo que la mayoría de cine estrenado por estos tiempos suelen tener como error mayúsculo: una dilatación temporal totalmente innecesaria. Aún así no sabría determinar que sobra en la historia, aunque el tramo final se me hizo a mi un poco repetitivo teniendo en cuenta que lo que me querian decir ya lo habian hecho antes.

Pero si obviamos esa duración hipertrofiada, el resultado final es uno de los mejores dramas psicológicos de misterio que he visto en mucho tiempo, y aunque hablo sin haber leído la novela en la que se basa (cosa que pretendo remediar pronto, ya la tengo reservada en la biblioteca) si valoramos los libros según la calidad de los films resultantes (Mystic River primero y ahora Shutter Island) la calidad del autor de ambos bet-sellers es sin duda alguna digna de seguir. O quizás es que ha tenido la suerte de contar con directores tan talentosos como Eastwood o Scorsese, de cara a darle rostro a los personajes de sus novelas.

LO MEJOR: Casi todo, la dirección es adecuada y por momentos sobresaliente, los actores estan todos bien, el suspense está muy bien llevado (que nadie se lleve a errores porque no hay nada del terror que anuncian por según que sitios, sería sobretodo un drama de suspense psicológico). Y bueno, casi todo el elenco actoral está acertadísimo en sus interpretaciones, la historia es entretenidísima y consigue engancharte bien pronto, y la calidad visual del film es digna de mérito (con mención especial a las escenas oníricas del protagonista).

LO PEOR: Casi nada, pero principalmente cuando en el tramo final ya se ha dado la gran sorpresa sobre cierto hecho, demasiado recalcado de ahi hasta su conclusión.

NOTA: He procurado hacer una crítica sin spoilers, espero haberlo conseguido. De todas maneras sois libres de poner en los comentarios lo que querais, ya que estoy viendo en las estadísticas de este blog que me entran visitas por gente que no entiende el final del film. Asi, dado el caso, se pueden contrastar opiniones.

domingo, 14 de febrero de 2010

El Hombre Lobo de Joe Johnston

FICHA TÉCNICA

Título: El hombre lobo
Título original: The wolf man
Dirección: Joe Johnston
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 12/02/2010
Duración: 104 min.
Género: Thriller, Terror
Calificación: No recomendada para menores de 13 años
Reparto: Emily Blunt, Benicio del Toro, Anthony Hopkins, Hugo Weaving, Geraldine Chaplin, Art Malik, Kiran Shah, Elizabeth Croft, Sam Hazeldine, David Sterne
Guión: Andrew Kevin Walker, David Self
Distribuidora: Universal Pictures
Productora: Universal Pictures, Stuber Productions

SINOPSIS

Lawrence Talbot (Benicio del Toro) es un noble que debe regresar con su familia, muy a su pesar, tras la desaparición de su hermano. La vuelta a casa le hará recordar que está enemistado con su padre (Anthony Hopkins) y que perdió su juventud el día que murió su querida madre.

Pero ahora debe atender a su hermano, a la prometida de éste (Emily Blunt) y a los extraños sucesos que tienen lugar en el pueblo, donde los vecinos están siendo atacados por "algo" que impregna de sangre el ambiente. Lo que no sabe Lawrence es que él puede ser más peligroso todavía.

CRÍTICA

Hubo un tiempo, hace ya décadas, en que los monstruos consiguieron asustar a toda una generación, más inocente que la actual y por lo tanto más impresionable. Eran los tiempos de Drácula, Frankenstein, la Momia o el Hombre Lobo, por poner sólo unos ejemplos. Pero el mundo evoluciona, las generaciones van teniendo un mayor nivel de información, y por lo tanto los miedos que asustaban a nuestros abuelos ya no nos inquietan, ya no nos asustan, ya pierden.... ¿su razón de ser? No... si se saben tratar.

En el género del terror probablemente la criatura más revisionada una y otra vez han sido los vampiros, pudiendo ir los resultados y la calidad en función de lo que uno espere (y sino compárense los de las películas Crepúsculo, 30 días de oscuridad, Blade o Drácula de Francis Ford Coppola, todos ellos los mismos personajes pero desde diferentes puntos de vista) En ese sentido la última que he citado es el mejor ejemplo de cómo reinventar para las nuevas generaciones todo un clásico del miedo, transformándolo en un drama romántico y épico realmente digno de ser una de las mejores películas de las últimas décadas (al menos bajo la humilde opinión de este servidor). Parte del mérito, como no, hay que adjudicárselo a Coppola, que supo insuflar en la cinta un toque personal, al que ayudaron unos actores en estado de gracia (incluso el muchas veces criticado Keanu Reeves hizo aquí uno de sus mejores papeles, nuevamente bajo mi humilde opinión). Ese género revisionista continuó con el Frankenstein de Kenneth Branagh, de un estilo parecido al Drácula Coppoliano en cuanto a drama romántico de época con toques de terror. Lamentablemente la grandilocuencia propia de su director provocó un resultado final con tantos admiradores como detractores, a lo que hay que sumar un fracaso en taquilla al competir (y perder) con el estreno de Entrevista con el vampiro (el preludio más claro a la actual y famosa Saga Crepúsculo)

En este revival noventero que hubo de esos famosos monstruos (Drácula es de 1992 y Frankenstein de 1994) se podría añadir (aunque con reservas) La Momia protagonizada por Brendar Fraser en 1999, pero su tono más aventurero que asustador creo que la aparta bastante de la concepción original del personaje. Por eso parecía que no habría más retornos a los viejos estilos, hasta que llegó esta El Hombre Lobo, remake del clásico de 1941. El film de Joe Johnston vendría a continuar el revival iniciado por el film de Coppola y continuado con Branagh, aquí con una de las criaturas más famosas de la mitología del terror, pero también una de las que ha corrido peor suerte en pantalla (¿cuántos títulos DESTACABLES ha habido con hombres-lobo de protagonistas? Me parece que los que merecen la pena se pueden contar con los dedos de una mano).

La esperanza (al menos la mía) era el encontrarme con algo al mismo nivel que los dos films de los noventa antes citados, cosa que tengo que decir que si me han dado en el apartado visual... aunque no en el argumental. Con una montaña de incidencias hasta que por fin ha visto la luz (cambio de director, varios retrasos en su fecha de estreno, etc.), el mayor problema del que cojea este Hombre Lobo es sin duda su guión, y es que lejos de complejidades góticas o dramas filosóficos, aquí simplemente tenemos un drama familiar que interrelaciona a los cuatro protagonistas de la película (o sea, Benicio del Toro como el protagonista, Anthony Hopkins como su padre, Emily Blunt como su amada y Hugo Weaving como el inspector que lo persigue) No habría problema en ello si no fuera porque en los 104 minutos de metraje los personajes apenas son esbozados, sin una progresión que los haga no sólo creíbles, sino empatizables: sirva como ejemplo la apenas episódica relación entre los personajes de Benicio del Toro y Emily Blunt, lo poco (tirando a nada) que se desarrolla al Inspector Abberline interpretado por Weaving (máxime cuando fue un personaje real que investigó el famoso caso de Jack el Destripador) o lo poco que se profundiza en el personaje de Anthony Hopkins, por momentos más interesante que el mismo protagonista. Incluso la (relativa) mayor sorpresa que nos da la historia (el saber quien es el otro Hombre Lobo de la historia) peca de ser previsible de manera muy clara. Eso si, hay que agradecerle unas escenas de acción donde en los ataques del licántropo la sangre corre a mansalva (cosa que es lo lógico y lo normal.... pero todos sabemos los tiempos tan hipócritamente censurables en los que vivimos, en especial en los Estados Unidos, país de origen de la película)

Puede que en el fondo sólo hayan buscado realizar un film que contente al mayor público posible (cogiendo por tanto el camino de la sencillez y la simplicidad), pero con los materiales con los que partía y el reparto que tenía, sin duda alguna le queda a uno la sensación de que este Hombre Lobo se ha quedado a medias de lo que podía haber sido (un film al nivel de la obra maestra del Drácula de Coppola, o el destacable resultado del Frankenstein de Branagh) para convertirse en un mero entretenimiento, eficaz y con el que uno no se aburre, aunque sin detalles que lo hagan perdurable en la memoria (salvo quizás, como he citado antes, los brutales ataques del licántropo). Y eso pese a que las labores de vestuario, fotografía, maquillaje, banda sonora, efectos especiales, etc son magníficas, sobretodo con un Hombre Lobo tan respetuoso con el original (encarnado por Lon Chaney) como creíble teniendo en cuenta los tiempos en los que vivimos, en los que los espectadores han perdido la inocencia que citaba al principio de este comentario, y por lo tanto quieren algo que parezca real y no un burdo maquillaje. Parte de ese mérito va sin duda para Rick Baker y su equipo, cuya labor es digna de mérito (atención a la bestial transformación, realmente asombrosa), pero lamentablemente tanto eso que el resto de detalles no consiguen mantener una película a la que Johnston no parece haber aportado nada más allá de un nombre en la silla del director (detalles a priori tan interesantes como que la licantropía sea tratada como una enfermedad mental apenas son simplemente esbozados como preámbulo a uno de los ataques de la bestia). Por lo tanto sin garra ni fuerza en su historia como para atrapar al espectador, el film se convierte simplemente en una película más, a la que salvan sin duda más los detalles secundarios que por lo que es en si el film. ¿Qué hubiera hecho con este material Mark Romanek, su responsable inicial, u otro director con toques personales como por ejemplo Tim Burton? Ante eso sólo nos queda especular.

LO MEJOR: Los actores masculinos (Emily Blunt no es que lo haga mal, simplemente es que su personaje es el más flojito de los cuatro principales). También los detalles propios de un film de estas características (decorados, fotografia, vestuario, etc.) con especial mención a los efectos especiales y de maquillaje a cargo del maestro Rick Baker.

LO PEOR: Con una base y unos elementos como para crear una gran película, el resultado final peca de simple y previsible (aún siendo eficaz y entretenido), probablemente por culpa de su accidentada post-producción así como del impersonal tratamiento de su director en el producto final.

jueves, 11 de febrero de 2010

Los Mayores Temores Mundiales: ¡Los Juguetes Asesinos!

Demasiado obvio


Demasiado simple
(esperen a ver lo de la próxima semana)


Demasiado complicado!


Demasiado feo!
(hey, no te hemos visto en otra parte?)



Ah! Estos deben ser....

Fue difícil determinarlo y generó mucha discusión, pero en realidad era obvio. Qué puede ser capaz de atemorizarnos más que la idea de que algo malo le ocurra a nuestros hijos??? Por eso, al finalizar nuestra cuenta regresiva presentamos en el puesto numero uno:


LA PINTURA DE PLOMO EN LOS JUGUETES

En el 2007, Mattel tuvo que retirar de las perchas más de 9 millones de juguetes que contenían pintura de plomo, que puede causar atrofia en el desarrollo cerebral de los niños. Este retiro fue seguido por otros de distintas empresas de juguetes, cada una de las cuales había descubierto plomo en sus pinturas.

La responsabilidad cayó sobre los relajados estándares de seguridad de las fábricas chinas. Más del 70% de los juguetes vendidos en el mundo son favricados en China, lejos de las regulaciones americanas o europeas.

Mattel llegó a un acuerdo por $12 millones con 39 jueces estatales por su papel en el asunto y el Congreso de U.S.A. pasó nuevas regulaciones de seguridad, diseñadas para controlar mejor las importaciones.


La proxima semana: Iniciamos una nueva cuenta regresiva con LOS 10 PEORES ACCIDENTES DE LA HISTORIA

El Sueño de Hierro

El Sueño de Hierro es una novela ucrónica escrita en 1972 por Norman Spinrad.

Portada de la primera edición en español, ed. Minotauro, 1978.


La novela es muy diferente a todo el esquema "normal" de las ucronías en el sentido de que nunca explica el POD (Punto de Divergencia) y desde el principio se habla como si la realidad fuera la historia alterna propuesta: se habla de Hitler como escritor, su última novela "El Señor de la Svastika" escrita en 1953, antes de morir y se establece que sus escritos son bastante populares, y se habla de tiempos tan "sombríos y terribles como los nuestros".

A primera vista la novela "Sueño de Hierro" solamente sirve para presentar la novela "El Señor de la Svástica" escrita por Adolf Hitler en un mundo ucrónico, una historia alterna de una realidad hipotética.
Y sí, "El Señor de la Svástica" tiene todo el estilo que Hitler usó para su libro "Mi lucha", sí, toda la temática, la narrativa plana e infantil, los personajes acartonados, TODO corresponde a la forma de pensar de un fanático sin imaginación, rimbombante, contrahecho -por lo menos moralmente, culturalmente y literariamente.

Y sí, es realmente admirable que Norman Spinrad haya dejado que su mente trabajara como la de los nazis; es realmente sorprendente que haya podido mantener durante toda la novela el estilo plano y triunfalista hitleriano, el ritmo in crescendo desde una prosa pueril y aburrida hasta niveles narrativos verdaderamente histéricos, fanáticos y aterradores (es decir, aterradores para aquellos que ya sabemos hasta qué niveles de locura y crueldad eran capaces los nazistas, y todavía saber que se justificaban a sí mismos autoconvenciéndose que era su "deber moral").

"El Sueño de Hierro", reedición en español a cargo de la editorial Grupo AJEC, 2006, además del contenido original de la edición anterior se han agregado dos ensayos de Spinrad donde aclara algunos puntos del "Sueño de Hierro" desde el punto de vista ideológico y literario.

En su magnífica reseña en el sitio ciencia-ficcion.com, José Suñer Iglesias menciona que "El Señor de la Svástica" llega a producir miedo y aburrimiento por partes iguales; miedo por el nivel de paroxismo nacionalista -al nivel de justificar el asesinato- y aburrimiento por el sentido tan panfletario del escrito, su acartonamiento, su discurso de odio racista. Llega a tales niveles de ridiculez (es verdaderamente destacable que Spinrad esté en los límites de lo que es gramaticalmente aceptable, use frases simplistas y hasta cometa -adrede- faltas de ortografía-gramática-semántica, como poner en boca de Feric Jaggar, su personaje principal, la frase "debe haber un mudo" en vez de "debe haber un modo") que uno solamente puede tomar en serio a "El Señor de la Svástica" como una parodia, como un remedo literario de lo que fue el ascenso de Hitler al poder (todo lo que cuenta la novela SÍ fue lo que pasó en la carrera de Hitler hasta convertirse en líder absoluto de la Alemania nazi, claro con MUCHAS exageraciones literarias y licencias poéticas).

Portada de la primera edición en inglés. Avon Books, 1972.

Al principio Spinrad pensó que el tono exagerado y la evidente estilo de ruptura con su ideología personal iban a ser suficientes para que todos los lectores comprendieran el tono satírico y crítico del "Señor de la Svástica", pero para asegurarse que hasta los lectores históricamente ingenuos y los inconscientes captaran el mensaje, escribió un análisis crítico usando otro personaje: el crítico literario Homer Whipple, de la Universidad de Nueva York; casi todos captaron el objetivo, pero aún sí el Partido Nazi de América lo puso en su índice de lecturas recomendadas y hubo gente y hasta un fanzine que alabó el argumento y la historia, aunque era un poco molesto que hubiera metido todo eso de Hitler.

En lo personal siempre consideré a las novelas "El Hombre en el Castillo" y "Pavana" como las mejores en el campo de la ucronía, pero después de leer "El Sueño de Hierro" tuve que reevaluar mis consideraciones ucrónicas.

Norman Spinrad.


Soñado inge y los férricos malditos.
Meshiko-Tenochtitlan 11.02.10
--------------------- FIN DE TRASMISIÓN ---------------------

viernes, 5 de febrero de 2010

Tiana y el Sapo (The Princess and the Frog)

FICHA TÉCNICA

Título: Tiana y el sapo
Título original: The princess and the frog
Dirección: Ron Clements, John Musker
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 05/02/2010
Duración: 97 min.
Género: Romance, Musical, Familiar, Animación
Calificación: Apta para todos los públicos
Reparto: John Goodman, Terrence Howard, Keith David, Anika Noni Rose, Oprah Winfrey, Jenifer Lewis, Jim Cummings, Bruno Campos, Jennifer Cody, Elizabeth M. Dampier
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Productora: Walt Disney Pictures, Walt Disney Animation Studios

SINOPSIS

Las mágicas tierras de Nueva Orleans, en Louisiana, sirven como escenario de este musical de Disney protagonizado por la princesa Tiana (con la voz original de Anika Noni Rose). La joven vivirá una tierna historia de amor, hechizos y sorpresas, acompañada por un cocodrilo cantarín y por las melodías cajun, que no paran de sonar.

CRÍTICA

En el mismo año en que la Disney ha conseguido volver a colocar una película de animación como finalista al Oscar a mejor película (me refiero a Up; la anterior fue La Bella y la Bestia en 1991) también ha sido la fecha escogida para volver al tradicional cine en 2D, abandonado desde hacía seis años cuando Zafarrancho en el rancho fue un fracaso en taquilla (decidiendo por aquel entonces que cerraban el departamento de animación tradicional, concetrándose sólo en la generada por ordenador, que con el sello Pixar les ha valido un éxito tras otro en los últimos años).

¿Y que tal ha sido este "retorno" de la factoria Disney a lo que sin duda alguna les hizo famosos durante décadas? Pues simplemente correcto: a diferencia de Pixar que se arriesgó buscando productos novedosos en cada nueva película (hasta ahora que parece que van por el camino cómodo, con secuelas como las próximas Toy Story 3 y Cars 2) este retorno de Disney a su animación clásica nos da justamente eso, un film CLÁSICO. La historia sería una especie de traslación de la Cenicienta en Nueva Orleans y protagonizado por la primera princesa de color de la factoría, pero el resto cumple todos los esquemas de la casa: ahi están por ejemplo el cocodrilo y la luciérnaga, típicos secundarios simpáticos y característicos de una producción de este estilo. Eso si, tiene ciertos detalles llamativos como que aunque el príncipe busque el amor, lo que le mueva al principio sea el interés (monetario) y el vivir del "gorroneo" (vamos, que ya ni los príncipes son tan ideales como en el pasado).

Eso si, no por ello estamos hablando de una película a menospreciar: como he dicho antes consigue mantener un muy buen ritmo durante su poco más de hora y media de duración, donde abundan los números musicales como en toda producción clásica de Disney (aunque quizás demasiados para el gusto de algunos), obra en este caso de un Randy Newman que envuelve el apartado sonoro de la película con mucho estilo de jazz y cabaret. Por ello el resultado final es una película que cumple a la perfección con el público al que va orientada (el infantil, especialmente las niñas) pero que dejará un poco frios a aquellos que vayan buscando algo novedoso en el estilo de narrarnos este cuento de princesas y sapos, ya que parece como si los creadores del film hubieran preferido ir por camino seguro (lo de siempre como siempre) antes que arriesgarse con novedades que hubieran roto el estilo habitual CLÁSICO de los films Disney, presente en Tiana y el Sapo desde la primera hasta la última imagen.

En el apartado de doblaje destacaría a Javier Gurruchaga, que después de poner voz a la Rana de Ratónpolis hace ahora lo propio con el Doctor Facilier, villano de la función (y en ocasiones más interesante que los propios protagonistas) cuyo aspecto me recordó al Barón Samedi, el malo de Vive y deja morir. No es el único detalle que esconde el argumento, habiendo otros como el evidente homenaje que hacen respectivamente el cocodrilo y la luciernaga con sus nombres a los clásicos Louis Armstrong y Ray Charles (y eso sin citar los guiños autoreferenciales de películas de la misma Disney).

LO MEJOR: Es lo que promete ser (es decir, una película de estilo clásico dentro de lo que normalmente nos estrenaba cada año la Disney)

LO PEOR: El estilo clásico citado en el anterior punto, que no da entrada a novedades sobre una fórmula que funciona pero que... ¿cansa? Eso depende de cada espectador.

viernes, 29 de enero de 2010

The lovely bones (Desde mi cielo)

FICHA TÉCNICA

Título: The lovely bones
Título original: The lovely bones
Dirección: Peter Jackson
País: Reino Unido, Estados Unidos, Nueva Zelanda
Año: 2009
Fecha de estreno: 26/02/2010
Duración: 129 min.
Género: Criminal, Drama, Thriller, Terror, Fantástico
Reparto: Saoirse Ronan, Mark Wahlberg, Rachel Weisz, Stanley Tucci, Susan Sarandon, Nikki SooHoo, Amanda Michalka, Charlie Saxton, Michael Imperioli, Jake Abel
Guión: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson
Distribuidora: Paramount Pictures
Productora: DreamWorks SKG, WingNut Films, Film4, Key Creatives

SINOPSIS

Susie Salmon (Saoirse Ronan) es una joven que ha sido asesinada y ha subido al cielo. Desde allí ve cómo reacciona su familia ante esta trágica noticia y vigilará los pasos de la persona que la mató. Llegado el momento, Susie deberá elegir entre dos deseos: vengarse de su asesino o ayudar a su familia a salir adelante.

CRÍTICA

Cuando me leí el libro en el que está basada esta película comenté que su argumento me parecía una mezcla entre la serie de televisión Entre fantasmas y la película Ghost, y en ese sentido he de reconocer que su adaptación, teniendo en cuenta el material del que partía, se adecua bastante, dejándome con la misma sensación que me dejó la novela cuando la leí. De todas maneras, y al igual que le pasaba al libro, el conjunto es entretenido pero las diferentes partes que lo componen no concuerdan tan bien como uno esperaría.

Lo más destacable sin duda de la adaptación de Peter Jackson es el tono melodramático que le da al conjunto, por encima del fantástico o del suspense (ambos presentes, aunque en mucha menor medida), lo que coincide con la sensación que me dejó la obra escrita (¿lo apruebo como adaptación? siendo justos la verdad es que si). De los actores sin duda alguna la jovencita Saoirse Ronan está estupenda, como también ocurre con su asesino en la ficción, encarnado por Stanley Tucci; no me extrañaría para nada nominaciones a los próximos Oscars para ambos actores, sin duda alguna lo más destacable de la película. También las labores de ambientación, decorados y vestuario estan muy logradas, situándonos sin problemas en los años 70 en los que está ambientada la historia.

Uno de los problemas más evidentes puede venir por la representación que se hace del cielo en el film, que recuerda bastante a la vista en el film Más allá de los sueños de Vincent Ward y protagonizado por Robin Williams. No me voy a quejar de ello porque era más o menos lo que tenía en mente, pero ese aire bucólico y enternecedor que se le da a esas imágenes puede recordar al estilo de fantasía "blanca" que desprende por ejemplo la serie de televisión Entre fantasmas, lo cual puede dar la sensación de cursilada en muchos espectadores. También colean las interpretaciones de los padres de la protagonista, encarnados por un hierático Mark Wahlberg y una no muy aprovechada Rachel Weisz; el primero porque no te lo acabas de creer en su papel mientras que en el caso de ella si, aunque no se le da tanta cancha como sería deseable. Susan Sarandon tiene a su cargo un papel también muy bien adaptado a como es el personaje en el libro pero que puede conseguir más detractores que otra cosa debido a la forzada parte de comedia que, en parte, introduce en la historia.

Esa sensación ambigua de algo que está bien pero que podía estar mejor la lleva la película a sus últimas consecuencias en el tramo final, donde la escena del beso o del final del personaje encarnado por Stanley Tucci probablemente irritarán a más de un espectador escéptico ante el tono del relato si no han conseguido entrar en el argumento de la película, pero tengo que aclarar que (para bien o para mal) así estaba narrado en la novela, con lo cual como adaptación es respetuosa aunque al mismo tiempo peca de una rigurosidad que la hace previsible para el que ya conozca la historia.

Y es que salvo por la novedad de ver como se trasladaban a imágenes las vivencias del relato de una chica asesinada que cuenta lo que pasa tras su muerte, el film se llega a hacer en ocasiones demasiado dependiente de la época en que se estrena (propicia para premios como por ejemplo los Oscars) lanzando una especie de desesperado grito en pos de nominaciones que no se yo si finalmente conseguirá o no (pese a sus aciertos en su conjunto no se puede decir que sea de las mejores películas del año). Y eso aún reconociendo lo entretenido y correcto del resultado final, así como la buena labor de Peter Jackson como director, en escenas tan bien montadas como la que lleva al asesinato de la protagonista (donde acierta al no mostrar la violencia sino sólo sugerirla) o cuando cerca del final su hermana se interna a escondidas en casa del sospechoso en busca de pruebas (momentos en los que se consigue un ambiente tenso).

En resumidas cuentas, una película digna de verse y/o tenerse en cuenta si uno ha perdido a un ser querido, ya que consuela y reconforta con la visión celestial que nos da. También será un acierto para aquellos que se acerquen a ella buscando sobretodo un melodrama (el género más visible en su historia) pero no convencerá por su trama de suspense (igual de simple como era en la novela original, no en vano bien pronto sabemos el "quien" y el "como") ni por la parte fantástica, puede que demasiado bucólica para según que paladares (a mi me convenció pero tengo dudas de si lo hará en según que espectadores más pragmáticos y descreidos).

LO MEJOR: Saoirse Ronan y Stanley Tucci en el apartado actoral, la hermosa recreación del cielo que hace el director (habrá quien no le guste, pero a mi si me ha convencido) y que en su conjunto la película entretiene, pese a su irregularidad.

LO PEOR: La cohesión entre fantasía y realidad, que en algunos momentos se hace chirriante, así como la sensación general de que está bien pero que podía estar mejor.

jueves, 28 de enero de 2010

Brothers

FICHA TÉCNICA

Título: Brothers
Título original: Brothers
Dirección: Jim Sheridan
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 05/03/2010
Duración: 105 min.
Género: Drama, Thriller, Bélico
Reparto: Jake Gyllenhaal, Natalie Portman, Tobey Maguire, Clifton Collins Jr., Bailee Madison, Sam Shepard, Mare Winningham, Taylor Geare, Patrick Flueger, Carey Mulligan
Guión: David Benioff
Productora: Palomar Pictures, Relativity Media, Michael De Luca Productions

SINOPSIS

El capitán Sam Cahill (Tobey Maguire) recibe la llamada del ejército de los Estados Unidos para incorporarse a la Guerra de Afganistán. Sam encarga a su hermano Tommy (Jake Gyllenhaal) que cuide de su esposa, Grace (Natalie Portman), y de sus hijos, mientras él está fuera. Tommy acepta sin sospechar que está a punto de caer en un triángulo amoroso del que no sabe si puede o quiere salir.

CRÍTICA

Como en tantas y tantas ocasiones previas, nuevamente estamos ante un remake de Hollywood, en este caso de un film danés que, como en tantas y tantas ocasiones, no he visto. Pero aunque desconozco la original Brothers de Susanne Bier, el tener aqui tras las cámaras a Jim Sheridan y el llamativo trio de protagonistas que tiene la película (Tobey Maguire, Jake Gyllenhaal y Natalie Portman) fue lo que me animó a verla. Y no me arrepiento de ello.

A lo largo de la historia han sido muchos los libros, películas y obras de todo tipo que han hablado sobre la guerra, o para ser más exactos sobre las consecuencias y trastornos mentales de la guerra en la vida de los soldados que vuelven del frente. En ese sentido las hemos visto desde todos los perfiles, y el que nos cuenta la película probablemente no por conocido y previsible es menos desgarrador. Aqui he de hacer un inciso para aplaudir la decisión de hacer hermanos en la ficción a los dos actores protagonistas, ya que aparte del innegable parecido que hay entre ellos está la curiosidad de que muchas veces se ha rumoreado el nombre de Jake Gyllenhaal en caso de que Tobey Maguire abandonara la franquicia de Spiderman.

Uno de los mayores aciertos de Brothers es contarnos una historia compacta y sin fisuras en el tiempo adecuado, ya que en un momento en que parece que la duración de cualquier film se puede dilatar hasta la extenuación, los 105 minutos de esta cinta parecen sorprendentes. Pese a ello el dilema moral y familiar sobre el que se centra la historia queda perfectamente planteado durante su primera hora, siendo el resto del metraje las consecuencias del mismo. En ese punto destacaría yo la escena que se marca Tobey Maguire en la cocina en la parte final de la película, la cual a muchos les puede parecer de un histrionismo digno de Jack Nicholson, pero que personalmente creo que sirve como perfecto ejemplo de la tensa situación mental que arrastra su personaje, con las continuas dudas sobre lo que él cree que ha sucedido y lo que pasó en verdad (sumado a lo que tuvo que hacer él en el frente de batalla).

Como contraste, las interpretaciones de Gyllenhaal y Portman pueden parecer más tranquilas, pero aún así encierran en ellas todo un dramatismo que ira dilatándose a lo largo del metraje, teniendo su punto álgido cuando al final todos los personajes hayan de tomar la decisión de como continuar viviendo este triángulo amoroso. Pero lo que en otras manos podría haber finalizado en una telenovela, Sheridan lo lleva a buen puerto, sin en ningún momento juzgar a sus personajes sino simplemente mostrándonos sus acciones, dejando a juicio del espectador quien cree este que tiene más razón y quien está más equivocado (nunca se juzga como adúltera al personaje de Portman, de aprovechado al de Gyllenhaal o de desequilibrado al de Maguire, pese a que en parte son eso... aunque también mucho más que eso).

Por cierto, aparte de lo acertado del trio protagonista me gustaría también destacar a la jovencita (apenas tiene 10 años) Bailee Madison, quien interpreta a una de las hijas del matrimonio formado por los personajes de Maguire y Portman. Puede pasar bastante inadvertida a lo largo de la película, pero mucha atención a la escena que sirve como detonante final a lo de la tensa situación mental de su padre (en la ficción) y donde su actuación es tan digna o más que la de cualquiera de los actores que comparten cartel con ella.

LO MEJOR: El trio de actores protagonistas (cuarteto si incluimos la escena al final de la jovencita Bailee Madison) junto con la acertada duración del conjunto (sin dilataciones temporales innecesarias) y la correcta labor tras las cámaras del director (no cayendo en el defecto de convertir esto en una telenovela).

LO PEOR: Como remake que es habría que ver la original, que probablemente ahonde más en detalles que aqui sólo se tocan superficialmente. Asimismo tampoco es muy sorprendente a estas alturas hablar de los traumas bélicos en los soldados que vuelven de la batalla.

Avatar y los rusos

Todo empezó con la queja del partido comunista de San Petersburgo contra la película "Avatar", cosa no muy sorprendente, porque al parecer, este partido tiene posiciones extremistas y bastante ridículas que parecen opiniones del abuelo Simpson.

La acusación dice que la trama de "Avatar" roba ideas de la CiFi Soviética, más concretamente: Según los comunistas de San Petersburgo, entre los autores soviéticos de ciencia ficción, cuyas ideas utilizó Cameron, figuran los escritores Iván Efrémov, Kir Bulichev, los hermanos Strugatski y el director de cine Pável Arsiónov.

Iván Efrémov (en occidente a veces deletreamos su nombre como Iván Yefrémov, 1908-1972), fue un paleonólogo ruso que inició sus carrera como cienciaficccioñero hacia 1940, publicó su primer cuento Olgoi-Khorkhoi en 1944 (aunque el libro "Lo Mejor de la Ciencia Ficción Rusa" de Jaques Bergier sitúa un cuento de él "El Camino de los Diamantes" en 1941 (el cuento fue tan influyente que la entonces URSS organizó varias expediciones a Siberia para buscar diamantes). Sus obras más conocidas son los relatos:



"El Corazón de la Serpiente"
escrito en 1958, pero con agregados en 1961 donde la trama principal es el encuentro de una nave estelar con una nave alienígena y la imposibilidad de establecer comunicación y por lo tanto especular si son hostiles o pacíficos.





"Nave de Estrellas"
(1947). El descubrimiento de un hueso de dinosaurio con un hoyo de bala y un cráneo extraterrestre sirve de punto de partida para toda una disertación filosófica-cosmogónica acerca del surgimiento de la inteligencia, evolución planetaria y el destino de las galaxias y toda civilización.



Y la novela: "La Nebulosa de Andrómeda" (1957) donde describe un mundo en el futuro lejano donde ha triunfado el socialismo utópico. Efrémov se dedica a describir en detalle la perfección científica, técnica, cultural (por cierto, muchos críticos y publicaciones socialistas lo criticaron acremente porque en esa sociedad futura ya se han olvidado de los héroes socialistas: Lenin, Marx, etc., y en cambio recuerdan perfectamente a los dioses y héroes de la mitología griega). Efrémov también describe que se han descubierto muchas civilizaciones avanzadas y todas juntas forman lo que él llamó "Gran Círculo". Sorprendentemente no existen los viajes interestelares más rápidos que la luz, así que todas las comunicaciones son por radio y los encuentros entre especies son raras. Su siguiente novela "El Filo de la Navaja" y su relato "El Corazón de la Serpiente" se consideran continuaciones o por lo menos historias situadas en el mismo universo utilizando los mismos elementos para desarrollar su trama.
Hacer un análisis exhaustivo de la obra de Efrémov o un recuento completo de su obra va más allá de los esfuerzos de este blog, suficiente es concluir que su obra toca como temática principal el desarrollo humano bajo una óptica socialista, el avance técnico y tecnológico y las consideraciones filosóficas que implican estos avances, la comoología y nuestro destino. Temas no muy relacionados con la trama de Avatar, quizá lo único relacionado es que Efrémov a veces toca el tema de extraterrestres en sus relatos aunque sea de refilón o muy sutilmente.

Kir Bulychev (también se conoce en occidente como Kir Bulychov 1934-2003) fue un alias artístico. Su verdadero nombre fue Igor Vsevolodovich Mozheyko fue un historiador soviético que empezó a escribir ciencia ficción en 1965. Muchos de sus relatos fueron de corte humorístico y, como buen historiador, muchas de sus novelas caen en la categoría de "ucronías". Muchos de sus relatos cortos se basan en la historia de un pueblo ruso ficticio llamado Veliky Gusliar (basado en la ciudad real Veliky Ustyug). Estos relatos cuentan, desde un punto de vista humorístico, cómo el pueblo, por alguna razón, atrae a toda clase de extraterrestres y seres sobrenaturales. Aparte de cuentos y novelas, desarrolló como 20 guiones para el cine, incluyendo varias adaptaciones de sus novelas, incluyendo la más famosa: "Dentro de Cien Años" (publicada en inglés como "Alice: The Girl from Earth", película titulada: "Guest from the Future"). Esta novela cuenta las aventuras de una joven llamada Alisa Seleznyova, una chica que vive en la Tierra en el futuro. No hay viajes interestelares ni extraterrestres. Tan sólo descripciones y crónicas de un mundo y una sociedad prósperos y tecnológicamente muy avanzados. Lo más curioso es que esta exitosa novela está escrita desde el punto de vista de un niño de kinder (se han filmado dos películas basadas en esta obra, una convencional y una de animación).
Toda la temática de Bulychev como que tampoco están muy relacionados con Avatar.

Bueno, del director de cine Pável Arsiónov (deletreado también Pavel Arsyonov) dirigió "Lilovyy shar" (1987), basada en la novela de Bulychev "Dentro de Cien años", ha dirigido un par de películas ci-fi (todas basadas en el viaje en el tiempo y protagonizado por niñas, una fue película para TV), una de fantasía (de brujas), y las demás de dramas, romance y aventuras, tampoco con mucho material como para que Cameron se lo fusilara para Avatar.

Y finalmente los autores rusos más conocidos (que no los mejores, muchos consideramos a Efrémov de mayor calidad literaria): los hermanos Strugatski (Arkadi 1925-1991 y Boris 1933- ), su obra es muy abundante y abarca una amplia variedad de temas. Escribieron muchos cuentos y novelas juntos, otros cuentos y novelas cada uno por su lado y todavía se han dado el lujo de adaptar y desarrollar guiones para el cine, así que me voy a enfocar en la obra que tiene elementos donde parece que ha copiado Avatar: el universo Noon.
En 1961, los hermanos Strugatski publicaron una serie de cuentos levemente relacionados; llamaron al libro "Noon: Siglo 22". Dado el éxito que tuvo, decidieron agregarle algunos cuentos en 1962 y otros en 1967. A todos los elementos comunes en la trama de los cuentos se les empezó a conocer como "universo Noon" (así como existe el universo Star Trek, el universo Star Wars o el universo Matrix) y tiene las características: la sociedad es avanzada y progresista gracias al triunfo del comunismo resultando en un exceso de recursos donde ya se ha eliminado la necesidad de casi toda labor manual. La economía basada en el crédito se ha vuelto obsoleta y el conocimiento es la posesión más valiosa. En este sentido tiene más puntos de coincidencia con el universo Star Trek que con Avatar (por cierto, es bastante remarcable que la característica principal del universo Noon sea la negación completa del imperialismo, a diferencia de Star Trek, Dunas o Star Wars).
Mencionar los detalles o siquiera la trama principal de todas las novelas del universo Noon sería ocioso para fines de este post (en total son 10 novelas y, al igual que el universo de la Fundación Asimoviana, existen 6 novelas anteriores que pueden considerarse parte de este universo).

Así que me voy a enfocar a la novela de donde dicen que Cameron se fusiló elementos, conceptos y trama: la quinta novela del universo Noon, titulada "Disquiet" en su traducción al inglés (algo así como "Inquietud" en español) de 1965. Sin embargo, todas las coincidencias son meramente circunstanciales: el planeta donde trascurre la acción también se llama Pandora y es un mundo tropical y selvático; a diferencia del Pandora de Avatar, la selva de este Pandora está en investigación. No solamente todo está vivo, sino que todo está animado: las piedras, ríos, árboles todo, los mapas que se hacen del terreno de Pandora quedan obsoletos después de dos años. En los laboratorios de investigación se rumora acerca de gente del bosque, aunque muchos suponen esto una leyenda, puesto que no hay pruebas.
La primera mitad de la novela relata la historia del investigador Paul Gnedykh que sale a "rescatar" a un par de nativos atrapados y empieza a observar y a experimentar el raro follaje y formas de vida pandorianas. Al inicio de la novela se menciona que el director del laboratorio, Mikail "Athos" Sidorov sufre un accidente en su helicóptero en medio de la selva, como no encuentran una sola huella de él, lo dan por muerto. La segunda parte de la novela relata que Athos no murió, fue rescatado por los nativos y vive en una villa en medio del bosque. Los nativos que lo rescataron son llamados Mártir Herido y Pierna Rota, la esposa que se le ha asignado se llama Nava (algunos piensan que de aquí se derivó el nombre Na'vi, un poco forzada y artificial la comparación). La trama de esta segunda parte se centra en los esfuerzos de Athos por regresar al laboratorio, a pesar de los repentinos ataques de amnesia y de pánico por salir de la villa.
Como vemos, los únicos puntos de coincidencia entre Disquiet y Avatar son el nombre del planeta (dado que Pandora es un nombre de la mitología griega, bien conocido y famoso, el que dos o más personas lo lleguen a usar, más que coincidencia, es casi una necesidad probabilística), el hecho de que el planeta es selvático y que la trama sucede en el siglo 22 (también Star Trek). Todas las demás "coincidencias" o "plagios" son parte de las alucinaciones del partido comunista de San Petersburgo.

El Temor del Plagio.
En la novela "El Temor a la Fundación" de Gregory Benford (Foundation's Fear, 1997) es el primer libro de la segunda trilogía de la fundación. Una de las historias de la novela narra el escape de Hari Seldon y su esposa, Dors Venabili de las fuerzas trantorianas del poderoso miembro del Alto Consejo Betan Lamurk hacia el planeta vacacional Panucopia, un planeta tropical y selvático. Ambos experimentan una realidad virtual "conectándose" EXACTAMENTE IGUAL A COMO SE HACE EN AVATAR a sus avatares chimpancés. La diferencia principal es que los chimpancés no dejan de ser chimpancés, tan sólo se vuelven más reflexivos, más concentrados, más "humanos". La aventura consiste en que los asesinos de Lamurk los localizan y los intentan asesinar mientras están en sus avatares chimpancés y ellos (Seldon y Venabili) no se pueden defender bien en su forma chimpance. Heroicamente (ya saben, autor americano...) "despiertan" a sus cuerpos humanos y pueden neutralizar a los asesinos (no me pregunten cómo porque ya no me acuerdo).
No se necesita mucho análsis para hallar más puntos de coincidencia entre Avatar y este pasaje de Temor a la Fundación que entre Avatar y Disquiet de los Strugatski.

¡Futurama!
En el capítulo "Donde Vagan los Buggalos" ("Where the Buggalo Roam", episodio 6, 4a temporada trasmitido el 3 de marzo de 2002), la trama muestra a los nativos marcianos, seres tribales analogos a los nativos amerianos (iguales en sentido futuramanesco, pues) pero con piel gris y rasgos faciales sospechosamente parecidos a los na'vi de Avatar que, si recuerdan, estaban organizados en tribus y su sociedad y creencias eran equivalentes a las de los nativos americanos originales. Incluso, ¡los nativos futuramanescos son igual de ecológicos que los Na'vi avatarescos!

Todos sabemos que el proyecto "Avatar" tardó más de 10 años en realizarse (Cameron entregó su primer borrador de guión en 1994) y él mismo dijo que se había inspirado "en cada libro de ciencia ficción que había leido desde niño", destacando las aventuras de John Carter de Edgar Rice Borroughs. Los parecidos con "Futurama" y la trama de "Temor a la Fundación" son pura especulación, dades las fechas de publicación y trasmisión al aire. Lo importante es que la trama de Avatar se parece más a los conceptos de la propia ci-fi americana (y si uno le racsa más se va a encontrar conceptos de la ci-fi francesa, el manga y el animé japoneses) que a la ci-fi soviética.

Noonesco inge y los strugatskianos malditos.
Meshiko-Tenochtitlán 28.01.10
----------------- FIN DE TRASMISIÓN -----------------

miércoles, 27 de enero de 2010

Invictus de Clint Eastwood

FICHA TÉCNICA

Título: Invictus
Título original: Invictus
Dirección: Clint Eastwood
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 29/01/2010
Duración: 132 min.
Género: Drama, Biográfico
Reparto: Matt Damon, Morgan Freeman, Scott Eastwood, Langley Kirkwood, Robert Hobbs, Tony Kgoroge, Bonnie Henna, Grant Roberts, Patrick Holland, Patrick Mofokeng
Guión: Anthony Peckham
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures, Mace Neufeld Productions, Malpaso Productions, Revelations Entertainment, Spyglass Entertainment

SINOPSIS

La película de Clint Eastwood explica la historia del líder del movimiento negro de Sudáfrica, Nelson Mandela (Morgan Freeman) a partir de su unión con el capitán del equipo nacional de rugby, François Pienaar (Matt Damon). Mandela, recién elegido presidente del país, es consciente de que el deporte puede ayudar a superar la barrera del racismo y pondrá todos los medios a su alcance para conseguirlo.

CRÍTICA

Clint Eastwood es de los pocos directores clásicos de Hollywood que continuan en activo, y pese a sus años en los últimos tiempos ha conseguido casi enlazar un film por año, en un ritmo arrollador del que deberían tomar ejemplo las nuevas y, en algunos casos, sobrevaloradas generaciones. Pese a ello es humano, y sería injusto tildar de obras maestras todas sus películas porque no lo son, como ocurre con esta Invictus.

Aún así nos encontramos ante algo difícil de vender, y es un drama deportivo. Por un lado este tipo de films tiene un esquema del que Eastwood no se separa (grupo de perdedores que con perseverancia y tesón conseguirán sus objetivos) y por otro estan las escenas del deporte en cuestión (aquí rugby) y como estén representadas en pantalla, ya que no en vano puede gustarte ver películas pero aburrirte ver practicar deportes (como es mi caso) y corres el riesgo de que el espectador pierda el hilo durante esos momentos. A eso hay que sumar el handicap de lo poco exitosas que suelen ser las películas de temática deportiva (algo, por otro lado, sorprendente si tenemos en cuenta las masas que mueven algunos de ellos como por ejemplo el futbol).

De todas maneras Eastwood es todo un maestro del cine, y esos detalles o características de las películas deportivas que en otras manos pudieran haber dado un film intrascendente (cuando no claramente innecesario) él las transforma en unas escenas llenas de vigor y energia, con especial mención al tramo final que lleva a un resultado que no por previsible resulta menos satisfactorio. En ese sentido requiere mención especial en el apartado físico la labor de Matt Damon, que después de su andadura en la saga Bourne ha conseguido una mayor credibilidad en las escenas físicas de las que hace años tenía debido a su semblante algo infantil. Asimismo el film se puede catalogar como un nuevo escalón en el discurso que nos quiere dictar Clint Eastwood en sus últimas obras, ya que si Gran Torino tenía el tema del racismo como uno de sus hilos argumentales, el mismo está claramente también visible aquí en la unión mediante el deporte que Nelson Mandela quiso establecer tras su llegada al poder en un pais claramente dividido por el color de la piel de sus habitantes.

Lamentablemente ahí es donde se pueden encontrar más aristas a una obra que tiene mejores intenciones en conjunto que resultados finales tras su visionado. Y es que pese al evidente parecido físico entre el actor Morgan Freeman y Nelson Mandela, el personaje que se nos presenta en pantalla está desarrollado de manera beatífica, sin aristas, lo cual le resta credibilidad tanto en su discurso como en sus intenciones. Y eso que en ese apartado la película tiene escenas tan conseguidas como cuando el personaje encarnado por Matt Damon ve la diminuta celda donde Mandela vivió más de dos décadas. Pero lamentablemente son momentos puntuales dentro de un conjunto que peca quizás de ser demasiado autocomplaciente y que en ocasiones busca desesperadamente la emotividad del espectador de forma artificial y poco creible.

En resumidas cuentas, una película simplemente correcta dentro de la filmografía de su autor, pero sin lugar a dudas muy destacable dentro del pobre panorama cinematográfico en el que vivimos. Y pese a lo poco que me gustan a mi los films de temática deportiva, tengo que reconocer que es uno de los mejores que he visto en mucho tiempo.

LO MEJOR: La labor como director de Clint Eastwood, que consigue hacer entretenido un argumento que a priori parecía no ser nada más que otra historia de superación más con el deporte como telón de fondo.

LO PEOR: La forma de representar a Nelson Mandela, quizás demasiado benévola, así como los lógicos estereotipos de las películas deportivas, y de los que aquí no se aparta Eastwood.

martes, 26 de enero de 2010

Solomon Kane

FICHA TÉCNICA

Título: Solomon Kane
Título original: Solomon Kane
Dirección: Michael J. Bassett
País: Francia, Reino Unido, República Checa
Año: 2009
Fecha de estreno: 01/01/2010
Duración: 104 min.
Género: Aventuras, Acción, Fantástico
Reparto: James Babson, Laura Baranik, Geoff Bell, Matthew Blood-Smyth, Brian Caspe, John Comer, Mackenzie Crook, Christian Dunckley Clark, Jason Flemyng, Patrick Hurd-Wood
Guión: Michael J. Bassett
Distribuidora: Aurum Producciones
Productora: Davis-Films, Czech Anglo Productions, Wandering Star Pictures

SINOPSIS

Una nueva adaptación de una de las novelas del creador de Conan, Robert E. Howard. Bajo el marco del siglo XVII encontramos a Solomon Kane (James Purefoy), un puritano guerrero cuyo objetivo es terminar con todo el mal que alberga el mundo. Así pues sus aventuras nos llevan a conocer todo tipo de lugares, desde los rincones más oscuros de las principales capitales europeas, hasta las frondosas y peligrosas junglas africanas.

CRÍTICA

Antes de comenzar tengo que aclarar que no soy seguidor de la obra de Robert E.Howard (creador del famoso Conan) ya que la fantasia heroica y/o el género de espada y brujeria no ha sido para mi algo mucho más allá de un simple entretenimiento (por ejemplo los comics de Thor, que estarían englobados más o menos en ese género nunca me han atraido mucho. Pese a ello soy el primero en valorar la calidad que tuvo el primer film de Conan protagonizado por Schwarzenegger, y lo correcto del segundo)

En este caso la adaptación de Solomon Kane partía con la (relativa) ventaja de parecer algo más al estilo de El Señor de los Anillos y no tanto a los mundos donde circula el anteriormente citado Conan. Además tengo que reconocer que el aspecto visual del protagonista me recordaba bastante a como iba caracterizado Hugh Jackman en Van Helsing, film del que personalmente guardo un grato recuerdo (pese a disparates como lo de los huevos de vampiro...) Por eso pensé que era un film tan perfecto como cualquier otro para comenzar mis visitas al cine del 2010.

Error por mi parte (no siempre se acierta): si mucho se criticó en su momento a tantos y tantos films de fantasía infantil que surgieron a raiz del éxito de la franquicia de Harry Potter (por ejemplo La brújula dorada), otro tanto se puede decir de esta película pero respecto a la trilogia de El Señor de los Anillos. Y es que TODOS los ambientes y TODAS las escenas por donde se mueve el protagonista, bien sean lúgubres cavernas o tenebrosos lugares, recuerdan a la citada saga dirigida por Peter Jackson. En ese sentido incluso el propio protagonista (James Purefoy) realiza una interpretación a medio camino entre el Aragorn que encarnó Viggo Mortensen (al que recuerda mucho por su aspecto, sobretodo en escenas como en la que está borracho en la posada) y el Lobezno de Hugh Jackman (por su caracter bravucón y su forzada ¿regeneración? en escenas como la de la curación de sus manos tras la crucifixión). El problema es que Purefoy no es ni Mortensen ni Jackman, lo que provoca que tengamos un protagonista cuyo semblante, actitud, maneras y aventuras recuerdan en todo momento a otros personajes mejor logrados.

Lo citado antes no sería problema si como mínimo la película entretiene, pero el problema es que su guión va dando bandazos hasta que finalmente afronta un tramo final con "efecto Star Wars" (por las relaciones que se descubren entre el protagonista y los villanos, al estilo de cuando Darth Vader le dice a Luke que es su padre), y que se soluciona de una manera tan simplona (tanto monstruo de fuego del espejo... ¿para ESO?) que te hace replantear QUÉ te estaba contando la película (en si la salvación de la damisela de turno)... y si era necesario alargarlo de manera tan innecesaria e insustancial. A todo este conjunto añadamos también unos efectos visuales simplemente correctos (y también muy deudores de la citada trilogia fílmica de El Señor de los Anillos de Tolkien y Jackson) y lo que obtendremos es una película prescindible y simple que solo servirá si uno es muy aficionado al personaje adaptado o no pide muchas exigencias a lo que vea en pantalla.

LO MEJOR: Tampoco esperaba gran cosa... aunque si algo más que esto.

LO PEOR: Probablemente el personaje daba para una adaptación de mayor envergadura y menos parecida a tantos y tantos films del mismo estilo, lo que provoca que no se vea nada más allá de 104 minutos rutinarios y nada destacables.

lunes, 25 de enero de 2010

Harry Brown

FICHA TÉCNICA

TITULO ORIGINAL: Harry Brown
GENERO: Thriller
PAIS: Reino Unido
DURACION: 103 Minutos
AÑO: 2009
DIRECTOR: Daniel Barber
GUION: Gary Young
INTERPRETES: Ben Drew, David Bradley, Emily Mortimer, Iain Glen, Liam Cunningham y Michael Caine
PRODUCTOR: Keith Bell, Matthew Brown, Kris Thykier y Matthew Vaughn
MUSICA: Ruth Barrett y Martin Phipps
FOTOGRAFÍA: Martin Ruhe
MONTAJE: Joe Walker

SINOPSIS

Un ex militar viudo que vive solo en medio de una comunidad mermada por las drogas y el crimen decidirá tomarse la justicia por su mano cuando su mejor amigo es asesinado.

CRÍTICA

Ver una película como esta es saber de antemano lo que te vas a encontrar, es como ver la enésima aventura del psychokiller de turno, donde el esquema argumental es siempre el mismo. La novedad en este caso estaría en disfrutar con todo un actorazo como Michael Caine en un papel que en los años setenta ya hizo famoso a Charles Bronson o Clint Eastwood con su famoso Harry Callahan; pero por lo demás estamos ante otra película de venganza, con lo cual el posible espectador tendrá que tener en cuenta otros valores ya que si busca llevarse sorpresas... aqui no las encontrará.

Al ser un film británico el tono y el aspecto intenta ser más real que otras variantes de este género como por ejemplo las películas del famoso Punisher de los comics Marvel, lo cual repercute en que NO estamos ni mucho menos ante un film con mucha acción, ya que no en vano Michael Caine tiene sus años y no se va a poner a dar brincos como un actor más joven (aunque atención a lo bien resuelta que está la escena donde Harry Brown compra sus armas, y en donde se mezclan acción, comedia y drama urbano a partes iguales).

Eso si, el resultado final es demasiado dependiente de Michael Caine, ya que salvo por su presencia el resto del reparto queda un un muy marcado segundo plano. Si a eso unimos los estereotipos de este tipo de películas (como por ejemplo que la muerte de un amigo del protagonista sea el desencadenante de su venganza) el resultado final aprueba por los pelos solo por la labor de Michael Caine, uno de los actores clásicos que aún quedan en circulación, y capaz de levantar el interés de una película con su sola presencia.

LO MEJOR: Michael Caine y el tono más o menos realista que se le quiere dar al conjunto, lo cual nos lleva a que no sea precisamente la acción lo que abunda en su metraje.

LO PEOR: Pertenece a un género en el que se sabe de sobras todo lo que va a ocurrir, siendo este film un claro ejemplo de ello.